浅谈影视表演的特征

一、引言

表演艺术是以演员为表演主体，在特定的表演环境里进行具有审美价值的艺术活动。影视表演和话剧表演同属于表演艺术，两者在创作原则、创作方法和表演方法上有着许多共同的规律性。然而两者受各自不同艺术特性和制作过程中不同规律的约束，因而带来了影视表演的若干特征。

二、舞台剧和影视剧创作与制作过程的不同规律

电影是由演员扮演人物演绎的故事通过摄影机，录音设备等将活人表演置成二维平面的视觉构图，通过后期制作投放于银屏幕供观众欣赏。从演员表演的空间来讲：戏剧是台框式，因而它的表演空间具有局限和假定性；电影则是景框式，摄影机及镜头运动可无限伸展；由此我们可以看出舞台演出时由观众自己来选择看点，只要有灯光的地方必定受到观众的注意。而镜头前的空间可是无限延伸，可以是浩瀚的宇宙世界也可以是显微镜下的世界，可以这样说，摄影机是导演强加给观众的眼睛，在黑暗影院中观看电影，剧情对观众产生“移情同化作用”，虽然局限了观众的视角，但是可以有更强大的视觉冲击力。从表演艺术的审美主体和审美对象关系来分析，舞台剧中演员的表演艺术与观众的审美接受是在同一时空完成的，而影视演员的表演与欣赏表演的观众是被隔绝的，影视演员表演创作基本上完成于前期制作（拍摄）中，其拍摄方法和规律造成镜头前表演的演员诸多特别的要求。

三、影视表演的若干特征

1、由于在电影的拍摄中有其他工作人员近距离的聚集和观看，对演员在表演中的干扰更大，因而电影演员的心理素质和表演中排除杂念要比舞台演员来的更重要，再如一些危险、亲昵、暴露的镜头或是特写镜头，包括“偷拍”镜头的拍摄时需要演员表演的真实感、高度的信念感和意志控制。有时一个镜头的多次重复性拍摄也会把演员可贵的直觉消磨掉，即兴表演灵感也随之消失，这就要求演员必须用意志保持自己的创作热情和“直觉”的表演。

2、影视拍摄前一般不会有充裕的反复排练机会，这就需要演员在表演时有很强的即兴创作能力，因此演员在拍摄前要对自己所扮演的人物有非常深刻地理解和构思。知道在哪些镜头中，有自己可以发挥的即兴创作空间，而不是只按导演的指挥被动地完成动作。张艺谋在说到巩俐的表演时就说“巩俐这个演员在现场总会有你意想不到的人物创作和即兴表演”。

3、由于摄影机间断拍摄、蒙太奇的处理，带来了时间空间上的极大自由，这一特点使得演员可以在真实的外景环境中或在现实内景中进行表演，这种环境的真实性要求演员非常逼真、自然地在镜头前行动。但影视片打乱剧情顺序，基本按季节、场景“跳拍”的拍摄方式。则要求演员对每一个镜头和段落必须有准确的心理、形体动作分寸与节奏的把握。否则将出现人物逻辑的差池或矛盾。

4、摄影机变化多端的方位和蒙太奇的处理等一些表现手段改变了观众与演员的距离，演员要把个人的表现意识压倒最低，动作与台词表述尽量自然与逼真。而在舞台上由于要考虑到让最后一排的观众看到听到，演员就需要强调表情手势和语言，当然在化妆上也要比在镜头前来的更夸张些。

5、前面提到过，镜头前的空间是无限延伸的，可以是宇宙也可以是显微镜，那么这无形当中也让影视演员在表演上有了更大的挑战——电影特写。巴拉兹曾说过“特写不仅使人的脸部在空间上同我们更加接近了，而且使它超越空间进入另外一个新的领域，心灵的领域——微相世界”，从巴拉兹的这段话中，我们可以看出特写镜头的面部表情不仅可以表现人物细致的心理变化，还能揭示出内心复杂的情感纠结。这是电影特有的视觉表现效果。特别是眼睛的特写，“眼神”可以揭示人物最丰富的心理世界，展示演员的功力，同样，也可以暴露一个演员的失败。这是戏剧演员在舞台上所无从表现的。

6、影视拍摄经常会让演员“无对象”交流，甚至与动物或现场虚无的“动画”交流。这时演员则要靠非常丰富的想象力来支撑自己表演的信念真实。并且在动作和视线落点上要异常地细微和准确，拍摄这类镜头时，除了要演员的技巧，还要有坚韧的耐心。

此外影视演员必须建立镜头感，影视演员在进行表演时，是面对摄影机或摄像机的镜头，因此，影视演员必须建立起很强的镜头感，包括演员对镜头画面效果的具体感受,具体到不同景别以及各种摄影技巧的处理，适应电影或电视特有的场面调度等。如：远景（或全景）与特写（或近景）这两极镜头，显然要求演员要把握住镜头前表演的分寸感和节奏感，避免舞台上的夸大表演，则要求演员真实的进行体验。在一个运动长镜头中进行表演，对演员提出后了更高的要求，在此镜头中要求演员既要完成一系列的动作和语言，又要注意摄影机或摄像机的场面调度，以便完成这个镜头所要表达的含义。镜头感的建立必须要求演员了解不同镜头的基本含义和基本表现力，不同镜头组接能产生的效果，不同镜头长度所带来的意义。影视演员必须努力掌握和建立镜头感。

总的来说，由于镜头前表演的特殊要求，决定了演员在影视剧中的表演处理要和在舞台上的处理有所不同。

[1]《电影艺术词典》，中国电影出版社，1995年版