浅谈大提琴在乐队中的训练与合作

陈 思

（浙江传媒学院 音乐学院，浙江 杭州 310018）

浅谈大提琴在乐队中的训练与合作

陈 思

（浙江传媒学院 音乐学院，浙江 杭州 310018）

大提琴作为低音家族中最重要的声部，在各类型乐队的演奏中，挥洒着浓重的一抹色彩。本文以乐队中的大提琴为基础，分三个部分进行探讨：大提琴在乐队中的发展，在乐队中的合作以及如何在乐队中演奏。

倾听；乐队；合作

一、大提琴在乐队中的发展

17世纪中叶开始，大提琴已经成为一个独立的声部，和其他的旋律乐器一样，在乐队中拥有了独立的地位。大提琴最早出现在文艺复兴时期，她的出现是由乐队而产生，作为独奏乐器真正登上舞台是在巴洛克时期。在此之前主要是在乐队里作为通奏低音来使用，主要是以为歌剧伴奏的形式存在的。早期的伴奏织体虽简单，但一直是乐队中不可或缺的声部。到了古典主义时期，乐队的形式变的更加多样，室内乐和交响乐的发展达到了鼎盛时期，为大提琴在乐队中奠定地位发挥了重要作用，也为之后的发展打下了坚实的基础。之后经历了浪漫主义时期，新古典主义时期以及无调性时期，大提琴的演奏技术得到了飞跃的提高，不管是在重奏还管弦乐队，大提琴的旋律声部和小提琴经常并驾齐驱，互为支持。炫技部分也明显增多，有了大提琴的衬托，乐队的声音也更加的丰富多变。

二、大提琴在乐队中的合作

（一）学习倾听

在乐队中，倾听是最重要的合作技能。演奏员需要不断地倾听自己的声音以及身边同声部演奏员的声音，甚至其他乐种演奏的声音。达到一个从近到远的，从小到大的统一。这就是演奏员在乐队中必备的听觉能力。心灵上首先要去听，就好比是内在的耳朵一样。这种能力，需要演奏员具备细致的音律和音色听辩素质。不追求个人技术的展现，更多的是强调声部间的默契配合。“用听觉指导演奏”是乐队演奏员共有的体会。在听到自己演奏出来的音色音准的同时，不断地靠近整个乐团的声音，不断地融合进去。在演奏到模进的片段时，在情感上很多需要不断模仿递进的感觉。耳朵立刻就变得很立体，有一种耳听八方的意识。大提琴本身的音色是柔和而低沉的，穿透力不及小提琴，长笛这样的高声部乐器，但是大提琴的音色更像是根基一样，衬托出其他旋律乐器的色彩。在倾听的过程中，需要保持高度的集中，内心要提前做好排练。在乐队作品中，素材的重复是很常见的，当素材出现重复时，要求演奏者迅速调动听觉的记忆力。因此，倾听伴随着整首作品的始终，是考察演奏者音乐素养的试金石。

（二）学习读谱

读谱是独奏和合奏都需要掌握的基本技能，在乐队中，读谱的内容有很多的讲究。乐谱上基本都是调号，表情记号，速度和反复记号等。弓法和指法是弦乐所特有的，因此统一指法和弓法是一项艰巨的工作。演奏前，不仅要对作曲家和作品进行充分地了解，还要了解其创作背景，以便更好的诠释作品风格。其次，在和声曲式上有一个概括性的把握是十分重要的。例如莫扎特的弦乐小夜曲op.525，是一首非常典型的“A-B-A”再现单三部作品。读谱时，了解清楚曲式结构，演奏再现部分的时候，相似的段落在处理上就会游刃有余。标记弓法和指法时，也可以节约很多时间。大部分时候，拿到一个新的作品，给出的练习时间很有限，因此高效率的读谱能力就显得尤为重要的。

三、如何在乐队中演奏大提琴

（一）音准和节奏的相对性

音准是学习弦乐最重要的内容，也是拉琴最首要解决的难题。独奏时，音准的把握会相对简单，只需关注演奏者自身的调控。而在乐队中，不管是室内乐还是管弦乐，音准都是相对的，要随着整个乐队的音色走向去调整。绝对的音准并不是出自某一个演奏员，相互倾听变得更加重要。“音准决定音乐的内容，决定音乐的音高特点”，这也是训练的关键。例如，演奏大三和弦时，那种明亮的音响效果才是演奏者应该追求的。首先演奏根音和三音，和谐后再加上五音，不断地去调整手指的位置，找到最好的音色。这里对音准的把握考验着演奏者乐理和声的基本素质。在演奏乐曲之前，首先是定音，以某一乐器的固定音高为标准，这是在管弦乐和室内乐常见的办法。演奏时，有些作品的音符看起来很简单，但合奏在一起听起来就是“花的”，需要及时的调整手指的位置，对整体音高的和谐更为关注。丁芷诺老师对音准的训练有一套很好的方法，我们可以借鉴一下。例如同时用“弱”的力量演奏一个八度的音阶等。不仅可以相互倾听音准，也可以增强默契感。

节奏是紧随音准之后必须要掌握的内容。节奏不但包括演奏中的节奏，也包括休止中的节奏，也就是呼吸。不管是呼还是吸，自始至终都要在一起。和独奏比起来，合奏的节奏也是不同的，独奏家可以自己把控，也可以随着自己对音乐的理解，使节奏变得更多样。但是在乐队中这些变化永远都框架限制。管弦乐中有指挥控制你的节奏，重奏中有队员的相互牵制。因此不管演奏员有多么丰富的情感也要在一定的范围内演奏。在训练的初期，演奏员可以依靠节拍器，稳定相互之间的内心节奏。节奏的整齐也是考察乐团好坏的标准之一，训练乐队成员的节奏感，也不是一件容易的事。大提琴的声音发声时容易滞后，内心的节奏是准确的，演奏出来时可能就会晚一点儿，节奏就很容易对不上，这就需要演奏员在演奏时，适时地提前一点。做到演奏节奏的“共同呼吸”才是乐队演奏的关键。按照音准的练习方法，也可以找一些基本的节奏型共同练习。尤其是切分音，五连音这种不容易平均的节奏。在演奏旋律时可能有一些相对的自由，而大提琴在重奏中有不少节奏型的音型，需要演奏者有极高的节奏稳定性。在没有指挥的乐队中，节奏音型就是最好的指挥，让旋律既可以好好发挥，又不至于失控。当然休止符也是音乐的一部分，休息多少，有指挥的的时候看指挥，没有指挥的时候是队员之间的默契，所以共呼吸考验每一个人。很多作品，都会有明显的呼吸，演奏者都会提前给予对方暗示，在休息过后，主旋律的声部也会是很好的指挥，用动作或眼神暗示是一种行之有效的办法。在休止时间比较长的时候，数拍子不是一个明智的办法，观察并聆听其他乐器演奏最靠近自己演奏的小节位置，再去数小节数。这样既不用担心数错拍子，也能更快的融合进作品中。

（二）弓法，指法和表情符号的统一

弓法，是弦乐演奏员在乐队演奏时需要格外注意的。在演奏作品之前，统一指法和弓法是一项很有技术的工作。说到弓法的统一，不但可以改变音色，就连音乐的风格也可以改变。同样的一段乐曲连弓和分弓听起来就大不相同。如果有的人连有的人分，作品就会听起来四分五裂，分不清呼吸在哪里。就算是不同的弦乐器，有时候为了达到音色的统一，也会相互研究弓法，尤其是在模进这种乐段，需要高度的模仿。弓法一致就会达到很好的效果。有时为了达到千人合一的效果，对弓段的要求都很苛刻。例如当演奏强音是，弓子不但要拉全弓还要靠近琴马，当演奏弱音时，弓子要慢走，在上半弓演奏。

指法，和弓法一样，在不同的琴弦上演奏，音色也截然不同。有些作品需要演奏柔和的音色，就需要避开空弦演奏。因为空弦音演奏出来明亮，穿透力强，容易破坏乐曲风格。指法的统一，不但能使演奏更加流畅，还能使音色得到和谐统一。特别说到左手有一个很难的技能—揉弦，它的快慢也影响着音色的改变。在有些作品中，会强调揉弦的统一。当作品表现激昂时，幅度需要变快；当作品表现柔美时，幅度要适当的变慢。

最后是乐谱上的各种速度和力度记号。作曲家书写的这些记号记录了他对作品所要阐述的情感的要求。演奏时需要格外注意，比如突强，突弱，渐慢，渐弱等，读谱时要细心留意，弱和慢在乐队中演奏不好就会很容易冒出来。演奏时的一致性，使作品更富有层次感。演奏员的相互配合和训练由此紧紧的联系在一起，团结协作才能使作品更加的熠熠生辉。

[1]罗宾斯托威尔．大提琴[M]．北京：人民音乐出版社,2009(01)：01．

[2]丁芷诺．弦乐重奏的音准及其训练[J]．中央音乐学院学报,1989(01)．

[3]杨于佳．演奏者合作能力培养研究[D]．天津：天津音乐学院,2012．

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