分享我的舞台摄影经验

高尚

随着文化生活日益丰富，不仅专业舞台摄影师拍摄舞台的场合越来越多，摄影爱好者接触舞台摄影的机会也逐渐多起来。那么，怎样根据舞台艺术的不同形式和表演方法，在瞬间捕捉富有代表性的场面和优美的表情动作，将那些优美的、具有深刻意义的舞台艺术表演呈现出来呢？这里，跟大家分享一些我的经验。

拍摄器材

机身：大多数舞台灯光亮度都偏暗，在实际拍摄中，当光圈开到f/2.8时，为了保证抓拍画面的清晰度，快门速度至少要1/125s以上。所以一台高感性能强劲的数码全画幅相机非常有必要。

不过，舞台的光线变化、演员的动作幅度都会影响拍摄。有时来不及过多反应，就错过精彩瞬间，更别提换镜头了。因此，除了一台给力的主机之外，有个操作顺手的备机很有必要。以佳能APS-C画幅相机为例，1.6倍的转换系数，让舞台摄影师赚足了长焦资本，最重要的是还不影响光圈，70-200mm F2.8的镜头立刻变成112-320mm F2.8镜头使用了。

镜头：如果在一次拍摄中，全景、中景、特写都需要兼顾到的话，24-70mm和70-200mm是必须的挂机镜头，当然最大光圈至少要F2.8。如果条件允许，135mm F2或者200mm F2这样的大光圈定焦镜头，也会让你的作品更加出色，有让人眼前一亮，甚至惊艳的感觉。

在实际拍摄中，我用到最多的是70-200mm F2.8这只镜头。70mm端可以拍些小全景；往上走到135mm端可以拍摄一些反映人物之间关系的照片；推到200mm端则可以拍摄人物特写。且F2.8的光圈基本可以应付大多数昏暗的舞台场景。

配件：首先就是三脚架，这对舞台摄影来说几乎是必备的。一个单反相机加70-200mm镜头，进行手端拍摄，10分钟、20分钟可能不会感觉到沉重，但是要拍摄一场动辄2～3小时的演出，没有三脚架的支援，真的会让你筋疲力尽，乃至无暇顾及拍摄。更重要的是把机器架在三脚架上时，你可以随时通过取景器瞄准舞台上发生的一切，时刻准备着按下快门，抓取舞台上美妙的瞬间。相反，如果没有三脚架的支撑，还需要一个把相机举起来的动作，很可能就因为多出这一个动作，迟滞的零点几秒，遗憾地错过了本想抓拍的画面。

快门静音：现在很多相机设有静音模式，但由于单反相机自身的结构问题，反光板上下开合所制造出的声响是不可能消除的。但是舞台摄影，尤其是伴有古典音乐独奏的环境下或者有独舞的solo时，整个剧场比较安静，如果你在这个时候按下快门，快门声会让你成为全场的焦点。所以，隔音设备也是必需品。目前国内没有专门的隔音设备出售，都是自己DIY制作，有很多种不错的方式，比如市面上有售的“相机防寒服”，游泳潜水穿的潜水服，甚至穿不了的毛衣羽绒服，都是可以改造成隔音设备的好材料。

拍摄技巧

抓拍要稳。舞台摄影非常重视抓拍功力。在演出中，没有太多时间调节快门光圈等参数，所以摄影的基本功一定要扎实。

测光要准。以我个人为例，我惯用点测光方式，因为大部分舞台以局域光为主，并且光照强度方向等变化极快，利用点测光，再依据“白加黑减”的曝光原则进行补偿，可以应付大多数拍摄场景。

优化曝光模式。说到测光肯定就要说到曝光，我会将光圈优先模式和手动模式结合使用。当现场光比不是很大，场景演变不快的时候，如果使用手动模式结合点测光，是不会出现太大问题的；但当场景的光比变化没有规则时，就要用到光圈优先模式了。这时，要以表现主体为基础进行点测光，再依据“白加黑减”原则和自己的拍摄经验，进行适当的加减曝光。总之，曝光没有定式，多拍多动脑，摸索出一套适合自己的拍摄习惯是非常重要的。

自动白平衡省时省力。舞台灯光种类繁多，呈现出的色彩五花八门，变化的速率也是极快，相机根本反应不过来。而且，如果舞台灯光设计者下好大功夫想呈现的特殊色调，经过镜头真实的还原

后，变成了正常的色调，可想而知，舞台灯光设计得有多“心塞”啊。所以，舞台艺术本就没有绝对对与错之分，不必过于纠结白平衡准确与否，只需专注拍摄即可。

拍摄格式。一定要用RAW格式，原因很简单，尽可能地给后期处理带来较大余地。舞台摄影有些瞬间不可逆，如演员调度、情感冲突、灯光变化等。如果因为相机设置、构图或者摄影器材出现差错导致拍摄到的画面不完美，就会非常遗憾。所以，舞台摄影，“先拍到”是最重要的，不满意的地方通过后期尽量弥补。