一把吉他承载的诗歌宫殿
——解读段爱松诗集《弦上月光》

独坐幽篁

“我时常会被那些强大的音乐魔方所转动，再加上现在诗歌越来越深的另一种无形牵引力，我感到了身体的上升和灵魂的下降，感到了这片大地开始呈现的更多开放和宽广。一个个自由跳跃的音符和一行行感性坚贞的文字，早已成为我身体和生命的核心部分。我热爱她们，如同我热爱我的亲人和朋友一样，她们让我短暂的一生充满了牵挂和未知。她们无时无刻不渗透在我日常的生活中，又无时无刻把我的灵魂从这种日常平庸琐碎中解脱出来，加以提升和净化。我时常感受到了生命中的某种暗示，以及这背后产生的巨大安慰。在音乐和诗歌的世界里，一直在记录着我的感受和感动，用诗歌记录音乐或许是作为我这样一个写作者最好的尝试，我渴望把我的感受更真实一点的记录下来，特别是作为一名音乐人、乐手和吉他培训老师，作为一个提倡用心灵写作的人，没有什么比用诗歌记录音乐更好的表达方式了。我坚持写下了这些文字，我始终相信，音乐也会在诗歌中变得更加丰盈而高贵……”（爱松《吉他手记》前言）

之所以在本文开篇引用这段话，是因为它是解读段爱松诗集《弦上月光》必不可少的“阅读指南”。与大多数诗人不同之处在于，来自音乐天国的召唤，使段爱松的诗歌内涵跃动着音乐精灵的独特魅力。

我们常说，诗歌诗歌，诗与歌不分家。中国古代，诗词与音乐水乳交融，密不可分，可以配乐吟唱的文句为“歌”，不适合配乐吟唱的文句称“诗”，古人在作诗时，多半会考虑到诗的音乐性也即吟唱的可能性（不像现当代的一些朦胧诗、口语诗，或是聱牙戟口，或是一盘散沙，谈不上什么音乐性）。