如何“看见”音乐的跨媒体设计方法探究①
——以三个视听映射实验作品为例

朱文涛（江南大学 设计学院，江苏 无锡 214122）

近几年，为了应对未来需求变化，跨媒体连锁（transmedia franchise）成为平面设计拓展的方向，目的是将文化产品从初始媒体扩及更多媒介，以创造多元设计触点与受众认同。音乐视觉化是一种典型跨媒介创作，并不只是音画视听融合，而是关注音乐作品在视觉中的延展，成为能看见的“音乐”，这是音乐以视觉方式的再次创作，加入更多概念成为衍生的新作品，可以在现代展览、互动表演等多元场景中传播应用。音乐视觉设计是一项复杂任务，包含技术、审美、观念与心理等丰富跨学科内容，并有着独立的发展脉络。本文试图从其发展谱系中归纳三种“映射”类型，结合本人团队的设计实践，探讨如何通过“映射”逻辑建立音乐视觉化的完整设计方法框架。

一、溯源到分类：音乐视觉化的映射谱系

人们探索如何“看见”音乐的跨媒介设计最早可以追溯到18世纪， Louis Bertrand Castel发明一种琴键触发光色投影的“光色乐器”（Color Organs），成为联觉创作的发端。美术家和音乐家也开始探索音符、和声、乐章曲式与造型、色彩、空间运动的相似关系。[1]画家康定斯基的联觉绘画、音乐家斯克里亚宾创作的光色交响乐，可以视为最早的音乐视觉化实验。20世纪兴起电影与数字技术直接推动音乐视觉设计的成熟。Walter Ruttmann、Oskar Fischinger等人创作的“抽象电影”，被理论家William Moritz认为有着音乐与视觉的双重动机，可以称为“视觉音乐”（Visual Music）。[2]而新兴的数字技术不仅能实现音乐数据化形象呈现与功能分析，[3]更通过软件工具扩展视觉创作的可能，以VJ（Visual Jockey）为代表，就利用模块程序实时创作音乐画面。……