重心在芭蕾舞中的作用

李阿丹（上海戏剧学院）

芭蕾舞孕育于十四世纪意大利文艺复兴时期。降生在欧洲宫廷的芭蕾舞，举手投足间都体现了古典优雅的风范。在历经近五百年的锤炼成长过程中，其科学的人体运动法则和高贵典雅的美学风范具有慑人的永恒魅力。本文通过分析正确的身体重心在芭蕾舞训练和表演中的作用，以及它的价值与意义。阐述怎么样来正确理解芭蕾舞的重心，正确的重心与芭蕾舞动作有着怎样的密切关系，怎样正确训练芭蕾舞的重心，以及重心重要性。

芭蕾舞蹈演员与普通人体态的不同之处在于异常挺拔的“非自然体态”。这无疑是经过舞蹈训练的结果。重心是人体重量的中心，其位置取决于身体每个不同环节重量的分布情况。当人体姿势发生变化时，重心的位置也将随之变化。重心对于芭蕾舞动作的质感有很大的帮助。作为专业的芭蕾舞演员，完美的平衡并非轻而易举就能实现，这不仅需要长期训练，而且对重心要有正确的概念。重心有原地的重心和移动的重心。原地的重心体现的是“稳上加稳”，因为，在芭蕾舞的训练中有一些动作是要必须在原地完成的。移动的重心分为：动作与动作的衔接以及动作变化中的重心。一个动作过渡到另一个动作的重心是非常微妙的，如果想要使芭蕾舞表现出在动态之中有安静的感觉，也就是“稳”的感觉，那么芭蕾舞演员就要对此加以重视。演员把握身体重心平衡的能力，将直接影响芭蕾艺术的完美表现。

一、怎样理解芭蕾舞的重心

对于演员的所有动作而言，启动的原动力来自演员的身体深处，动作从“中心处”发出（即重心），通过身体，进入空间。芭蕾舞的重心建立在正确的力学结构之上，它需要舞蹈演员体验动作时，靠多年训练积累，对自己身体的感知随时予以调整。这不仅是为了保证自身的安全，避免在职业上的损伤，更是为了做动作时的有效发挥、充分展现，使演出作品在质量上，将会相应的轻重得当、富于效率，更具艺术表现力。

从芭蕾舞训练的角度来讲，在整个的课堂训练当中，尤其是中间部分的练习，因为没有了把杆的依靠，所以对身体重心的把握就显得尤为重要。正确重心可以使芭蕾舞动作更加稳定协调，更加有质感，更加轻盈。特别是在幅度大的动作和技巧难度高的动作中，需要不断地调整重心，这样才能使重心处于最利于表现舞蹈动作的位置上，才能更好地完成芭蕾舞的技巧动作，才会有完美的艺术效果。不正确的重心会导致演员在训练过程中抓把杆，上身的摇晃，动作的不协调，肌肉线条变形而缺乏美感，还会形成不正确的支撑点。此外，不正确的支撑点在动作完成之后的落地时易使膝盖与脚腕受到损伤，而且，还会导致动作呈现不稳定的视觉效果。

对指导来说，要有责任对付那些难以捕捉的不当状态和缺点，因为，它们阻碍了舞蹈演员在做动作时的有效发挥，并且，限制了他们能力得到充分地展现。为帮助演员养成正确的重心意识，不仅在训练中要达到动作的本质目标，还要使演员能够掌握所有动作的正确连接，通过身体各部位的运行配合，达到有效的运动目的。

二、正确的重心与芭蕾舞动作的关系

正确的重心与芭蕾舞动作有着密切的关系。要把一段芭蕾舞动作表现得更加精彩，除了需要完成高难度的动作技巧，还要在舞蹈动作技巧上体现稳定与准确。稳定才能展示出舞蹈动作的质量与完美。并且，还要达到这个动作和舞姿的规格要求，即使这个动作技术含量再高也要准确无误地完成，使每一个舞姿的路线与位置都做得非常清楚。有了重心，才能使舞蹈表现出美感；有了重心，才能使舞蹈动作快起来还会流畅；有了重心，才会使舞蹈表现得更加淋漓尽致。一个芭蕾舞演员应该是一个多方面的运动员，正确的重心是完成艺术展示的基础，是芭蕾舞艺术干净、潇洒、轻盈、利落的完美艺术体现。

（一）正确的重心与Piouette(旋转)的关系

在舞剧当中，旋转多表示喜悦，是展示演员技术技巧的一部分。芭蕾舞的旋转就更离不开重心了，做旋转动作时，除了要求演员完成圈的数量，还要保持一个良好的直立感与稳定性。当然，旋转的数量和难度的高低是成正比的，也就是说，转的越多难度就越大，而且，无论转多少个圈，结束时的造型要既准确稳定又有舞姿艺术感。还有一些演员在旋转的过程中变化手臂的位置，这也是对演员身体重心的平衡与协调能力的又一大考验。旋转数量的多少和质量的高低是评判芭蕾舞者技术水平高低的核心标准之一。所谓质量，主要指的是旋转过程中，规范的舞姿是否变形、重心是否移动、结束是否干净等。例如，古典芭蕾舞剧《天鹅湖》第三幕当中，黑天鹅的三十二个原地“Fouette”（挥鞭转），就包括了规范舞姿、空间定位、结束时的稳定利索。

旋转技巧分为原地转、移动转或是翻身转，不同的方式会要求不同的重心移动的形式。而“Fouette”（挥鞭转）就属于原地转的一种，要求重心始终维持在主力腿上，像“钉子”一样。要把这种技巧完美完成，保持原地转，身体各个部位间的动态平衡成为绝对条件。无论身体哪边的失控，旋转中身体的另一边就会失衡，哪一边的哪个部位过于紧张，另外一边的身体就会往反方向侧倒。重心对身体的制约决定了技术的稳定，整个身体旋转轴的垂直与否，能决定身体重心的移动轨迹。

（二）正确的重心与Allegro(跳跃)的关系

芭蕾舞的跳跃对演员的要求就是动作轻盈、自如，每一次跳跃的起跳与落地都必须强调对身体的控制，不是所有的跳都是在原地完成的，需要移动的时候移动，需要原地的时候则原地，当然，还有一些跳跃的动作是又要原地又要移动的来完成的，而且，还会有节奏的变化，速度越快难度就越大，当然，有时候在一部分的跳跃过程中速度加快是必不可少的，这就要求芭蕾舞演员要具备很好的控制重心的能力。要灵活的运用重心，因为，良好的重心才能使动作更加的连贯、流畅、准确，因此，也体现了正确重心在训练中的重要性。

芭蕾作为欧洲的古典舞，产生于宫廷这样一种特定的空间范畴。舞剧中许多大幅度的跳跃是为了最大限度地占有舞台的空间，而这种行为带有明显的统治者意味和封建的等级观念。芭蕾作为一种以概括和抽象为审美的表演艺术，许多动作的运动方向都是与舞台平行的，为了提高身体在运动中的平衡能力，移动重心的训练必不可少。重心移动决定着跳跃的幅度，也决定了高雅、高贵的气质是芭蕾重要的历史和审美属性之一。

（三）正确的重心与Adagio(慢板)的关系

舞蹈虽然是用肢体去表达的，但是，是用心灵去感受的，是用精神去碰撞的。而芭蕾舞的气质高雅、清新脱俗，强调舞蹈动作的细腻与规范，更能体现出肢体的表达、心灵的感受与精神的碰撞。最能体现出这些的其中一个主要表现形式就是Adagio（慢板）。但在古典芭蕾舞中，慢板的动作是与双人舞有着密切联系的。“通过从容的动作,可以表达出庄严、惊异、忧郁、狂喜、平静、和温柔，还可以表现冷淡、疲劳等”。（《芭蕾排练室内幕》安.乌廉斯著,黄伯虹译,第26页）当然，芭蕾舞里Adagio(慢板)的动作是看似轻松、容易、实际上是困难的、需要力量和控制的。而力量和控制来源于在正确的重心上为支撑。只有掌握好正确的重心，才能使身体在做动作时保持平衡与稳定，才能使动作表现得更加柔美、轻盈，从而，才能排除一系列不必要的紧张状态。

从美学角度看，演员在舞台上各方向、各舞姿的高抬腿，都表达着积极向上，都能够刺激观众的感知，但动作腿部幅度越高，对支撑腿（主力腿）稳定性的要求也就越高。Adajio 的表现就是稳定，任何摇摇晃晃、主力脚腕子的颤动都是理论和理想中不被允许的。注意力不够集中、过度紧张或者体力不佳都会影响重心的稳定，为使观众得到完美的享受，我们一定要按照至善至美的标准出发。

三、如何正确训练芭蕾舞重心

（一）从训练重心的基本功开始

正确训练芭蕾舞的重心从站位开始——最初芭蕾舞基本功的训练是从手位、脚位开始的，站位虽然看似简单，其实大有学问，尤其芭蕾舞的单一动作训练是最累、最为枯燥乏味的。垂直重心下的站位训练可以最大限度地延长演员肢体原有的线条，扩大动作范围并增强表现力。直立重心练好之后，就要训练移动重心。前面说过，为了提高身体在运动中的平衡能力，要组织范围更大、幅度更大的训练，以达到纯审美性的目的。“万丈高楼平地起”，要从娃娃们抓起，把握基本形态，让孩子们从学习过程中不断了解自己的身体，感知和掌握正确的重心。好多演员到了后期出现了不应该出现的问题，都是因为基本功不是很扎实，因此，重心的基本功训练也尤为重要。

重心的基础没有打好，会影响演员以后表演时动作的质量与美感以及各种技巧的完成。要想使以后的舞蹈组合与舞蹈作品表现得更加光彩夺目，就要先将每一个单一的最基本的动作练到位。因为，每一个动作都有它的重心，从简单的站位到高难度的技巧都有它各自的重心。因此，想要把芭蕾舞做得更加完美，就要对重心加以练习，这都是需要一个循序渐进的过程，而不是一朝一夕就能完成的。从单一的分解的动作开始练习，从慢到快，由简入繁，一点一滴的去积累，最后才会把一套组合或者一个舞段发挥到最佳。

（二）Plié（蹲）训练的作用

芭蕾基础从18 世纪法兰西学派到19 世纪意大利切凯蒂体系的鼎盛，再到20 年代俄罗斯瓦岗诺娃体系影响世界舞蹈的巨大成就，始终体现出进步和优越性。在1934年刊印的《古典芭蕾基础》一书中，著名芭蕾教育家瓦岗诺娃回忆：“意大利女演员首次在舞台上展示三十二个“Fouette”（挥鞭转），表现了切凯蒂体系稳定性训练的优越性。”受此影响，瓦岗诺娃不断追求一个目的——建立一门“舞蹈科学”，追寻古典芭蕾最有效的手段，这也是她一生孜孜以求的事业，直到瓦岗诺娃体系走到辉煌。我们国家的芭蕾体系也一直沿袭着俄罗斯瓦岗诺娃体系。

瓦岗诺娃善于训练Plié（蹲）动作的力量和柔韧。她认为要达到“钢铁一般”平稳（瓦岗诺娃学派的明显特征）需要从上身找到支撑点，也是在舞蹈中自由掌握身体的前提。从一开始的Plié的训练，要注意稳定性，建议从“一位”开始学习，必须习惯于提起上身、控制好后背重心。以后这种稳定会成为各种复杂动作的基础。当学生练好了必不可少的稳定和灵活之后，才可以大胆地将各种形式复杂化。瓦岗诺娃在自己的书中强调，动作必须从上身开始做，因为，从上身核心产生的舞蹈，才能保证可靠的支柱和舞姿的表演色彩。

（三）外开训练的作用

外开是芭蕾最具标志性的“符号”。从解剖学角度，外开是指髋关节以下部分作为一个整体运动方式，即为一个运动环节；外开始于髋关节，最后传递到脚。芭蕾舞演员如若不懂得外开的关键所在，易导致舞蹈损伤的发生。

外开，在动作的开始和结束时，使重心更具安全感。这尤其表现在各种Pirouette（转）及跳跃动作的结束时，除了身体各部位的肌肉控制能力外，外开起到了“刹车”的作用，使旋转的舞姿平稳静止，以及各类跳跃动作的安全降落。因此，外开具有一种稳固重心的反作用力。它能使身体各部协调行动，迅速形成在特定的舞姿重心上，主力脚在脚尖与地面的反作用力支撑上，向外尽可能的转可以稳定重心，并以外开形式给予旋转增加内动力，达到转起来的目的。在结束动作和停落舞姿时，主力脚Plie（蹲）的转开，能让舞姿牢牢的稳定在重心上，使整套Pirouette（转）动作完成的既高质量又规范。由此可见，外开不仅是芭蕾舞的特殊审美要求，使舞姿更加优美，身体更加流畅、灵活，它对重心的训练起到非常大的帮助，也为重心提供了一个更为有力的支撑面。

（四）加强协调性训练

协调性训练是建立在基础与外开训练之上的，它与外开训练有一定概念上的区别。外开训练是身体关节和肌肉方面的训练，而协调性训练更倾向于大脑的锻炼。大脑根据舞蹈动作的发展与舞姿的变化，提前判断出下一步重心应该保持在哪一个部位，以更好地完成动作与舞姿。因此，身体协调能力越强，大脑、手和脚的配合度越高，也将有利于重心的稳定性，从而达到舞蹈动作与音乐的高度统一，舞蹈技术的更胜一筹，举手投足间彰显出古典优雅的风范。

（五）对女演员足尖重心的补充说明

随着芭蕾舞发展至今，女性全面登上表演舞台，足尖鞋的运用早已伴随着芭蕾成为了固有的决定性审美。当女演员独自在足尖上长时间保持平衡时，我们会不由自主地屏住呼吸，张开嘴巴，全神贯注地盯着她的脚尖与地面的接触点，心里默默地数着节拍，为她如钉子般岿然不动点赞。这种平衡和稳定给观众带来了一种动觉意识分享，但是，不是每个女演员都能够做到驾轻就熟、随心所欲的立脚尖。这种足尖的平衡能力除了长期重心稳定的训练，先天条件也是起决定性作用的。

专业的舞蹈演员入学前需要严格的挑选，女性芭蕾舞演员脚趾的1-3 足趾长短要大致一致。无可置疑，女演员要把全身重量顶在足尖鞋内，足尖支撑面积越大，稳定性越好，控制力越强。许多脚趾条件欠缺的女演员会产生很多足病。例如，趾关节病、外翻等。为了提高足尖技能，预防各种足病，建议选学生时重视生源的脚部的形态。同时，训练时要求演员们注意脚下脚趾展开接触地面，Battement Tendu(擦地)训练必须强调点地时1-3 脚趾的发力。立脚尖时尽量以1、2、3 足趾顶地，这样会尽量减少脚部的伤害，也有利于足尖技能的训练与提高。

四、结束语

芭蕾舞中的任何动作都和重心有着紧密的联系，重心对芭蕾舞动作是相互帮助、相互促进、相互协调的。要想使芭蕾艺术在舞台上表演的更加有美感，更加流畅，旋转和跳跃的各种技巧完成的更加精彩与轻盈，就要让学生理解什么是正确的重心，正确的重心对芭蕾舞动作起到怎样的作用。虽然重心的好坏不是评价芭蕾舞动作的唯一标准，但芭蕾舞的任何一个动作都离不开重心。