上海缤纷艺术季

2017年，盐田千春在上海当代艺术博物馆展出了自己的一件作品，《生命之川》。300张钢丝床从展馆一楼的大厅沿着电梯向上攀升，延伸至二楼的展厅。无数条8毫米医用PVC管缠绕于床架之间，细管中源源不断地流动着如血液一般的红色液体。

对于“生命”的思考，是盐田千春艺术创作的重要命题。在创作《生命之川》时，她以见证了生命始末的床来探讨生命，从出生至死亡，血管中流动不息的血液，承载着我们逝者如斯的生命河流。

也是在这一年，盐田千春接到了森美术馆的邀请，在东京六本木举办一场规模空前的个人展览。就在受邀后不久，她被检查出十二年前的癌症复发，不得不再度接受治疗。在与病魔抗争的同时，盐田千春仍然没有中断创作，徘徊于生死边缘的经历，赋予了她更多对生命的切身感悟。2019年6月，盐田千春迄今为止最大规模的个展在森美术馆顺利开展，主题为“颤动的灵魂（The SoulTrembles）”。

两年过去，盐田千春已经康复，她通过邮件与我们回顾了这段经历。“在使用抗癌藥物治疗的过程中，我的感受是，自己的心跟不上了。因为治疗是跟着既定的流程和系统进行的，我感觉到自己身心分离。”在这样的境况下，她开始思考灵魂，将“要是自己去世了会怎么样”“肉体死亡之后，我的心和思考会去向何方”“肉体死亡到底是怎么一回事”等冰冷而现实的问题直直地抛给自己，这些也成为了“颤动的灵魂”展览的契机，并作为创作脉络贯穿始终。

展览以“我们将去往何方？”的发问起始，数十艘白线织就的船只凌空而起，踏上终点不明的旅程，似是寓意着无人能掌舵生命的航向，但我们仍然要启程驶往未知。在“未知的旅程”这件作品中，不确定性与孤独感被进一步放大，从黑色船只上蔓延开来的红线将空间密密麻麻地包裹起来，似是从我们身体里生长而出的枝蔓，又像是在浩瀚的虚空中，与他者产生联结的渴望。

线这一元素在盐田千春创作中扮演的角色，一如血液之于生命。从早年在画布上绘画，到后来利用空间“作画”，盐田千春对于线都有一种特别的偏爱。她利用错综复杂的线编织成包裹生命的茧，如果说那些被压抑的黑线所笼罩的钢琴、椅子和礼服，更多象征盐田千春心灵深处的私人感受，那么用红线串联起来、自全世界收集而来的鞋子、行李箱、信件、钥匙等日常物品，则重现了人类的记忆与梦境。

“红色代表人与人之间的连接，象征着与人缔结关系。黑色是宇宙。白色预示着开始，它很纯粹。”盐田千春告诉我们。未来还会使用其他色彩的线吗？她说自己也拿不准。

可以确知的是，无论线做何变化，盐田千春的作品最终想要表达的是“人的在场”。那些人存在过的痕迹，被钩织进繁密的线条之中，沉默的钢琴也得以奏响令人心颤的音符，平凡的鞋子也足以诉说每个人不可复制的故事。作品中没有人的存在，却又无处不是人的记忆，这是盐田千春的创作理念，“不存在中的存在”。

盐田千春很喜欢展览，她认为，藉由展览的方式，她内心深处那些无法言说的情感才有了一个释放的出口和可以留存的证明。今年12月19日至明年3月6日，《盐田千春：颤动的灵魂》将首次巡展至中国，来到龙美术馆（西岸馆）与观众见面，本次展览以装置为主，另外还包括雕塑、行为艺术影像、照片、素描以及舞台设计相关图稿等，再现艺术家对于记忆、焦虑、梦境、沉默等无形事物的情感。

旅程终究充满未知，但盐田千春已经在向下一个港口驶去了。

疫情之前，我经常往返于不同国家，和家人呆在一起的时间比较少。但是，疫情后无法外出，陪家人的时间就多了起来。那段日子，我一直都在家里画画。

虽然我有在世界各地举办展览，但由于疫情入境限制，我无法到达现场亲自布置操作。因此疫情期间，我在位于柏林的个人工作室将作品制作完成，再运送到美术馆，以这样的方式来进行工作。在疫情的影响消退之前，都必须要采取和以前完全不同的方法来举办展览。

很幸运的是，这次凭借大家的努力取得了签证，我能够来到中国，亲自参与上海龙美术馆（西岸馆）的布展。尽管受到疫情影响，世界各地的经济活动一度停滞，但我们依然能进行创作。创造力是不会停止的。

因疫情去世的人，需要自己一个人孤独地面对死亡。我在想，如果去世前，没有办法见到家人和亲近的朋友，会是非常痛苦的。

我基本没有以社会公共话题命名的作品。从早期的创作开始到现在，我一直是以“自己”的个人思考为主题。在制作的过程中，慢慢地转变为“我们”和其他人都能产生共鸣的东西。也就是说，作品的创作是从个人感受开始的，但并不是这样就结束了，最终会演变为能和观赏者共情的作品，而不是将个人情感与社会话题融合在一起。

我会拜托美术馆放置专门用来收集物品的箱子，并且派发传单告知大家，另外也会在网上进行招募。基本上，都是美术馆和画廊一同协作收集的。向大家廣泛收集物品时，有不少人会将个人信息也一起给到我们。虽然没有面对面见过他们，但能感觉到他们的存在。对于我的创作来说，这是很重要的元素。

我有一个创作观念，“不存在中的存在”。收集完物品之后，我一边感受原主留存下来的形形色色的记忆，一边创作成作品发表。虽然物品所有者并没有在展览现场，但大家还是能够感受到他们的存在和记忆。那就是我所说的“不存在中的存在”，和“抽象的人”这一说法有些许不同。

2015年在威尼斯双年展，我第一次使用船来创作。在威尼斯，船代替了汽车，成为人们生活中必不可缺的交通工具。运输物品，也运送人。因此，我想要将“运输”这个词更深层的含义表达出来，于是就把船运用到了作品里。

船是运送“时代”“时间”“记忆”和“文化”的象征。而且，它是朝着目的地向前行进的。当我们坐在船上漂浮于大海里时，就像人漂浮于宇宙中一样。出于这样的思考和含义，我在作品里加入了船这个元素。

因为我家是经营工厂的，看到他们的生活状态，我并不想自己也像机器人一样工作。因为我很喜欢画画，所以一直都想要成为艺术家，想要生活在制造创意的世界里。过了几十年后，现在我的想法也一直没有改变。

在空间里用线创作，对我来说就是“在空间作画”。这就是在三次元的画画。这并不是空间作画和平面作画的区别，对我来说不管怎样都是与绘画世界相关的。

在举办展览之前，我总是会感到不安和压力。我会担心，“可以做出满意的作品吗”或是“能够在限定时间内完成吗”，但是，那也是我创作的动力。正是因为有压力，才能持续地创作。

我之后在哥本哈根、巴黎、马德里、日本和韩国都会有展览。另外，这次上海展览的内容，之后也会在澳大利亚的布里斯班进行展出。接下来我还会继续在世界各地办展，希望能将作品展示给更多人。