邱瑞祥：内敛的生命力量

自2003年从西安美术学院毕业以来，邱瑞祥就一直在过着一种半隐匿的生活。在新世纪的头10年里，他很少展出他的画，也极少谈论他的画，甚至基本上很少有人有机会看到他的作品。

他基本上在工作室过着与世隔绝的生活，极少社交，深居简出，只是日复一日地在画作之间移动、观察、检视，察觉可以改进或发展的微小细节。直到2010年，他才经艺术家葛蔼力的介绍，北京798艺术区的方音画廊举办了第一个个展“无题”。

邱瑞祥将他的创作方式称为重复劳作，这一方式在艺术史上也并不鲜见，但邱瑞祥的重复并非一种观念上的实践，而是非常纯粹的日常工作方式，并没有很强的目的性。这种重复把他推向一种“极端”，在探测单调与枯燥的底线中，实现一种类似修行一般的自我隔离，从而在日复一日中得到让画面自然生长的纯粹体验。对于邱瑞祥自己来说，一幅画完成和未完成的界限是模糊的，当自己不再想继续画的时候，便停止。对他来说，绘画是自发性的行为，而他也正是在日复一日的劳作中，渴望获取变化的力量。

邱瑞祥作品的主题通常都是人物与身体，“身体经验”对于邱瑞祥来说是在绘画行为中无处不在的，这有關于普世层面的身体，也有关于此刻肉身参与的方面，还关乎于想象力与感知。在早期的作品中，邱瑞祥作品中的人物并没有占据画面大部分的位置，画面的剩余部分，被晦暗、均匀及静止的大片深色扁平底面所占据，薄而硬，它们拥有一种空间构建的功能，但它们并没有位于人物的底部、下方，或其他地方，而是营造了一种类似于包裹、围绕式的氛围感。蓝灰、灰白、冷茜素红组成了粗砺厚重的暗调，这是邱瑞祥一贯的背景颜色，在几年间，因为反复地涂抹、覆盖、叠压而形成了无法辨别的混沌状态。细细观察起来，会发现背景和人物之间还存在一种类似于剧场的灯光，让人想起伦勃朗的古典画。

“那些人就像从地面上生长出来的一样，很朦胧的，但同时身体又对地面形成压力，在人物和环境之间产生了较强的紧张感。”邱瑞祥画中的人物仿佛被来自周围环境的看不见的压力所笼罩着，呈现出紧张互相作用的姿态。

从旧作《无题》（2008）到新画《无题》（2019-2020），邱瑞祥的人物在画面中的比例逐步放大，直到几近填满画面。而与其说是人物，不如说他们变成了一种没有清晰面孔，没有明确身份指向，模糊一团的“感觉形象”。他们并不具备任何鲜明的特征——尽管他们中的一些看似穿着民族或者传统服装，但仍然抹去了所有明确的身份信息。绘画中的身体更像是推动形象生成的内部，而为了完全切断这种形象与再现之间的联系，邱瑞祥有大量的绘画作品都命名为《无题》。

这种模糊的感觉形象，不禁让人联想到梵高最早期的习作——《海边的渔夫》，一幅被认为是早期未完成的习作，因为人物并没有五官，身体的描绘也很概括。初看邱瑞祥的绘画，也会有同样的感受，人物可能是寥寥数笔塑造的，简约有力，不拘泥于细节的描绘。事实上，邱瑞祥在创作中更经常使用刮刀而非画笔，因此笔触变得更“概括”，而深色颜料的堆积又自然而然地赋予了画面厚重感。

邱瑞祥的“感觉形象”描绘的并不是脱离人本身的抽象精神体，尽管这些感觉形象模糊，没有面孔作为表情的载体，但仍然能够感觉到画面中人物的情绪，在悬挂、支撑、各种状态下挣扎与迷惘的思考，以及那些从晦暗底色中蔓延开来的孤独感。在画面中能感知到的情绪是一部分，但更为重要的那部分是画面中呈现出作用于那些人物的无形力量。就如德国艺术家保罗· 克莱所说，艺术不是“为了再现可见的事物，而是让某些东西变成可见的”。邱瑞祥的绘画，企图让不可见的力量变成可见，从某种程度上来说，是他对人存在的本质探索、思考的一种呈现，在负担、挣扎、压力之下的人物呈现出不合逻辑的身体形态与结构，犹如爱德华· 蒙克的呐喊一般，嘶喊扭曲模糊了整个场景，整个场景仿佛在受到一种难以察觉的力量的折磨，这种力量甚至超出痛苦和感官感觉。而邱瑞祥的创作，展现出了难以察觉的外部力量，以及人与这种力量进行的对抗。我们常常痛感生活的艰辛与沉重，感受到负担与压力，无论是身处高位还是泛泛之辈，这些无形的力量都存在着，往往迫使我们屈服，压得我们崩塌了，沉默了，将我们钉死在地上，可那又怎样呢？正是拥有了这些来自外部的力量，我们内部的生命力量才可以得到爆发，与之抗衡，因为力的作用是相互的。这些力在相互作用下，在来回的挤压和撕扯中，推动生命向前运动，使活着变成了一件更加真切的事情。而邱瑞祥，用过去的20年所试图呈现的，便是这样一种极其内敛的生命力量。