门德尔松《e小调小提琴协奏曲》创作和演奏分析

殷楠

摘要：门德尔松是浪漫主义时期的音乐巨匠，而《e小调小提琴协奏曲》则是其在弦乐领域的代表作，作品形式完整，内容丰富，堪称是小提琴协奏曲中的一颗明珠。鉴于此，本文从这部作品的背景谈起，就其作品的创作和演奏进行了具体分析，以期获得对其人其作更加深刻的认识。

关键词：门德尔松 《e小调小提琴协奏曲》 创作和演奏

中图分类号：J605 文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2018）17-0003-02

一、门德尔松和《e小调小提琴协奏曲》

门德尔松（1809-1847），浪漫主义时期德国最著名的音乐家之一。1809年出生于汉堡，父亲是远近闻名的银行家，家境十分优越，这为门德尔松的音乐学习提供了良好的条件。4岁跟随母亲学习钢琴，并表现出了过人的音乐天赋。9岁开始登台演出，14岁时组织乐队，17岁发表自己的作品，20岁时候已经成为了德国远近闻名的作曲家和指挥家。此后开始在欧洲各国游历，先后创作出了多首器乐和声乐佳作。1841年，门德尔松受邀担任柏林音乐学院的音乐总监，两年后又创办了莱比锡音乐学院，因过度劳累导致身体状况恶化，于1847年病逝于莱比锡，年仅38岁。门德尔松的一生虽然十分短暂，但是却取得了辉煌的创作成就，《e小调小提琴协奏曲》正是其诸多佳作中的代表。1835年，门德尔松为了感谢小提琴家大卫为自己乐团的帮助，决定为其创作一首小提琴协奏曲，但是创作过程却不如想象中顺利。因演出十分繁忙，让门德尔松始终难有时间潜心创作，直到1844年，门德尔松在连续多场演出后来到法兰克福度假，在身心愉悦的状态下完成了这部作品，实现了六年来的心愿。而且在创作结束后，门德尔松还与演奏家大卫进行了细致地沟通，让大卫从演奏角度提出修改意见，并在大卫的帮助下最终定稿。1845年3月，作品在莱比锡首演，获得了一致好评，成为了门德尔松的代表作之一。

二、《e小调小提琴协奏曲》创作分析

（一）第一乐章创作分析

《e小调小提琴协奏曲》采用了传统的协奏曲形式，全篇由三个乐章构成。第一乐章是奏鸣曲式，e小调。在开篇，门德尔松并没有加入引入部分，而是在一个小节后直接进入主题，给人以直抒胸臆之感。主部主题由小提琴奏出，旋律欢快而流畅，像是一个抒情女高音在纵情高歌，虽然是小调，但是分明表现出了大调明亮的色彩。在小提琴奏出主题后，门德尔松开始对主题的材料进行变化和发展，也预示着连接部的到来。这个连接部既是对主部的延续，同时又加入了新的材料，将主部和副部不露痕迹的连接在一起，起到了完美的桥梁作用。副部中，调性转为了G大调，三个段落中，分别采用了双音、三连音和分解和弦的手法，由小提琴和单簧管奏出，让旋律更加丰富。与以往协奏曲不同的是，门德尔松并未让主部和副部呈现出矛盾和冲突，而是一脉相承的，副部成为了主部的延伸和扩展，仍然是主部呈现出的抒情色彩，体现出了门德尔松创新的理念和精湛的技法。在乐曲的尾声部分，由大管奏出一个长音，结束本章。

（二）第二乐章创作分析

第二乐章采用了三部曲式，G大调。在经过了八个小节的引子部分后，乐曲进入了首部，由于小提琴奏出富含歌唱性的旋律。这段旋律听起来是似曾相识的，之间曾被用于《苏格兰交响曲》和《无词歌》中，后经过简单改动后用与该曲，旋律温润而唯美，并带有淡淡的哀伤，像是将一个故事娓娓道来。在随后到来的中部之前，门德尔松加入了一个连接部分，这也是对古典主义三部曲式结构的创新。通过这个六小节的连接部分，使中部的调性变化色彩得到一定程度的削弱，可谓是匠心独运。在中部，门德尔松采用了小提琴与乐队弦乐声部拨弦的方式，为乐曲加入了几分灵动的色彩。再现部中，虽然旋律素材和主部的相同，但是明显给人以更加从容之感，像是一直在海面上行驶的小船，在经过了一阵波动之后，重新进入了风平浪静的海域，并即将达到幸福和快乐的彼岸，让观众对第三乐章充满了期待。

（三）第三乐章创作分析

第三乐章与第一乐章相同，也是奏鸣曲式，e小调。引子部分由三个乐句构成，是对第二乐章的平静气氛的承接。然后在一阵定音鼓之后，小提琴又一次活跃起来，在不知不觉中变为了快板，旋律既是流畅、抒情的，又略微带一些俏皮的色彩。在主部中，门德尔松主要使用了跳弓、重音相结合的技巧，让曲风更加轻快和愉悦。进入副部之后，主题反复延伸，旋律起伏加大，通过密集的十六分音符，让乐曲迎来了一个小高潮。在经过四个小节的过渡后，乐曲进入了展开部，该段发生了明显调性变化，并采用了假再现的手法。但是与古典主义时期贝多芬假再现的手法不同，门德尔松是在三级上进行，而贝多芬则是在属音上进行，这个假再现的巧妙运用，让乐曲更加丰富，逻辑关系上也更加自然。随后，门德尔松又插入了一小段旋律，让乐曲安静、轻巧的过渡到了真正的再现段。尾声部分则使用了双音，在明朗、辉煌中结束了全曲。

三、《e小调小提琴协奏曲》演奏分析

作为门德尔松在弦乐领域的代表作，这部作品虽然没有超高的演奏难度，但是因为曲目的浪漫主义风格十分鲜明，特别是对抒情的强调，要求演奏者必须用扎实的演奏基本功，对作品进行个性化的表现。接下来，将对三个乐章的演奏要点进行分析。

（一）第一乐章演奏分析

第一乐章作为开篇乐章，其演奏重点在于音准和节奏的把握。首先是音準。音准是小提琴演奏天生的难题，这部作品中虽没有炫技性乐段，但是那些富含歌唱性的旋律线，反而更加考验演奏者的音准水平和能力。以呈示部的第一主题为例，该部分的旋律是极其优美的，为观众描绘出了一幅和煦阳光下，万紫千红的田园景色，给人以无限希望之感。旋律看似十分简单，但是实际演奏却是较为困难的，因为乐曲开头是从第二把位进行演奏的，与日常练习中的从第一把位开始有所差别，所以很容易出现音准问题。在演奏第三小节的G音时候容易偏高，对此要特别注意1指和3指之间的间距，保证调性的稳定。其次是节奏。三连音是该乐章的特色节奏形式，如果不能准确把握这一节奏，则会使演奏效果大打折扣。要求演奏者的演奏速度一定要均匀，左手手指应带有清晰的颗粒感，决不能将三连音和八分音符相混淆，导致节奏和律动的混乱。在过渡乐段中，面对带有炫技性的三连音，则要注意三度、五度、六度双音的准确性，保持触弦力度的均衡，避免将三连音演奏成前十六节奏，获得准确、匀称的演奏效果。

（二）第二乐章演奏分析

第二乐章是八六拍，行板，被誉为是最醇美的小提琴乐章之一。演奏要点在于音色和揉弦。首先是音色。该乐章中，几乎每一个音符都承载着门德尔松炽热、真挚的情感，要求演奏者对每一个音符的音色效果仔细推敲，尽可能获得完美的效果。如引子之后的第一主题，旋律的歌唱性色彩十分鲜明，像是一个温婉少女的低声吟唱，演奏这些乐句时，运弓一定要流畅、平稳，右臂运功的动作是连绵不断、始终是没有停顿的。而且也要注意运弓时的力度不能过大，避免造成压弦的效果，弓毛与琴弦的接觸点尽量靠近指板的位置，获得柔和而又带有金属色彩的音色。其次是揉弦。该乐章中，常用的几种揉弦方式都会用到，一开始旋律起伏不大，带有强烈的抒情色彩，因此要多用手指揉弦的方法，手指关节要充分放松，幅度小而密集，奏出细腻柔和的音色。之后随着旋律渐强和渐弱的变化，则要适时加入手臂揉弦，根据乐曲渐强渐弱的需要灵活调整揉弦的幅度，让揉弦和运弓彼此相得益彰。

（三）第三乐章演奏分析

第三乐章为“有活力的快板”，在音乐情绪上与第一、二乐章有着较大的差异，为了演奏出热烈欢快的效果，需要对连顿弓和自然跳弓两种技法有良好的运用。首先是连顿弓。这是在帕格尼尼、维尼亚夫斯基等名家作品中经常出现的一种功法，具有较高的难度。在本乐章中，第一主题中频繁出现，也正是这种技法的运用，让乐曲呈现出了无限的活力。在运用这种弓法时，要注意大臂和小臂应保持紧张的状态，食指应该给弓毛以足够的压力来贴近琴弦，“在上弓时演奏者手臂须呈现一种提物状态，手腕要微微向上 抬起，弓杆要一定弧度地朝外部倾斜。”[1]有节奏地带动琴弓进行运动。在跳弓运用方面，在该乐章96-108小节处，出现了大量密集的十六分音符，必须要利用跳弓技术才能奏出这种欢快、活跃的气氛。在具体的演奏中，要注意右手的充分放松，做到弓不离弦，配合手腕和手指让琴弓在琴弦上进行有弹性的跳动，方能展示出跳弓技术特有的魅力。

“在诞生了众多杰出的音乐家的19世纪，门德尔松的创作显得独树一帜，别具一格”。[2]因自幼家境优越，使他不必像其他音乐家一样为生计而发愁，所以作品中从没有悲观情绪和批判色彩，而是始终洋溢着抒情和快乐。这一点在这部作品中也表现得十分明显，充分展示出了门德尔松特有的创作风格。因此在今天的小提琴创作、演奏和教学中，理应对这部作品有充分重视，重点体验和表现作品的艺术风格，推动这首佳作的传承，这既是作品自身的价值和魅力使然，也是当代人对门德尔松这位大师最佳的缅怀。

参考文献：

[1]盖妍卉.论小提琴演奏中技巧与音乐表现的关系[J].当代音乐，2018，（03）：93.

[2]王满.门德尔松 《e小调小提琴协奏曲》的艺术特色——以第三乐章为例[J].当代音乐，2018，（01）：80.