浅析交响乐团中音提琴的训练

摘    要：浅析交响乐团中音提琴的演奏训练心得。对于致力发展交響乐，重视中提琴在乐队演奏中的作用，注重中提琴人才的培养，注重中提琴演奏技巧的训练的必要性。

关键词：中音提琴;方法;作品;交流;配置

随着我国经济的快速发展，人们对精神文化生活的追求也日益高涨，交响乐这种音乐形式也越来越普及。特别是国内一些经济发达城市交响乐团的发展也呈现出较高的水准。像北京、上海、广州、深圳等一线城市的交响乐团也频繁的走出国门，展现中国近些年交响乐的演奏发展水平。无论指挥家、独奏家在世界交响乐舞台上有了自己应有的一席之地。国内各个城市都相继建立了数十个自己的交响乐团。纷纷设立了自己的音乐季。每年的音乐季演出都可以达到八、九十场甚至更多的音乐会。在这种情况下，浅析一下交响乐团中中音提琴的演奏训练心得。对于致力发展交响乐，重视中提琴在乐队演奏中的作用，注重中提琴人才的培养，注重中提琴演奏技巧的训练还是很有必要的。

中提琴自17世纪初以来一直是西洋管弦乐队的组成乐器，尤其自18世纪海顿大力发展弦乐四重奏开始，它便在室内乐演奏中确定了自己的重要地位，但直至20世纪前它还较少被当作独奏乐器，供其独奏的作品也为数有限。自19世纪末20世纪初始，随着小提琴演奏技巧的长足发展，作为小提琴乐器族成员的中提琴，因其宽广的表现音域和纯厚柔美的独特音色，而开始受到欧美演奏家和作曲家的重视。 中提琴具有较宽广的表现音域，其浑厚含蓄的独特音质在不同音区与小提琴和大提琴各有近似之处，因而在管弦乐中它弥合了小提琴与大提琴的音色差异，从而使弦乐组的合成音效浑然一体;同时，中提琴中低音区的音色又与管乐器，尤其是部分木管乐器的音色很有近似之处，甚至在使用某些演奏方法时可以以假乱真，因而在管弦乐中它又弥合了弦乐组与管乐组的音色差异，从而使管弦乐队的整体合成音效浑然一体。

作为独奏乐器，中提琴缺少小提琴的辉煌性和大提琴的浑厚有力的音响，并且不如小提琴和大提琴那样在演奏协奏曲时可以和乐队进行较量。我国的中提琴演奏员绝大部分是从小提琴演奏员转换为中提琴演奏员的。对于演奏中提琴更多是靠后天的领悟和刻苦的训练。 演奏中提琴虽然看起来和小提琴很接近，实际上中提琴和小提琴的演奏技巧有很大的不同，比如弓法、音色、技巧等。由于体积变化，因此演奏好中提琴对个人的专业能力和体能要求更高。

中提琴的五度定弦为c、g、d1、a1，音色比小提琴更厚实、温暖而丰满，指法和运弓与小提琴基本相似而又不同。中提琴从比中央C低八度音程的C开始，每根弦间隔五度音程，依次为C、G、D及A音，比小提琴低五度。此音域更柔和低沉。同时，更粗的弦也意味着发音更迟钝一些。实际上，如果一个小提琴手和一个中提琴手一起演奏，中提琴手必须比小提琴手对于发音应该更加敏感，这样中提琴和小提琴声音才能同时发出。更粗的弦还意味着拉动中提琴需要更大的力度。

中提琴进入乐队后并不是马上就有机会发挥出与它本身相称的作用。在巴赫和亨德尔的复调音乐中，中提琴与其它弦乐器同处于平等的地位。但是后来的作曲家并不重视中提琴的这一独特色彩，仅仅把它作为乐队的中间声部或者低声部来处理。只是在贝多芬和浪漫乐派作曲家的作品中，中提琴才成为一种演奏旋律的乐器。

综上所述，我认为，针对中提琴的特殊性，应该从以下几个方面入手：

一、充分了解中音提琴和小提琴演奏方法的区别

通常中提琴的体积更大，弓弦更长。左手可以演奏出更宽更强的颤音，右臂运弓的距离离身体更远。因此当演奏者从小提琴转为中提琴时，很快就会发现两者的指法和把位有很大区别。演奏者必须将左肘伸得更远甚至弯过来，这样手指才能够到最低的弦。并且要保持手指触弦的稳定。只有手指稳定有力才能发出一个清晰的音。

在交响乐团中，我们的每一件乐器都有着自己的表演色彩性，但是中提琴却是我们整个弦乐队中最具有特性的，在乐队演奏中，由于中提琴的音域关系，它的发音是属于比较稳重的，所以对我们的乐器演奏者来说有着一定的考验，要有一个灵活的头脑，当你准备下弓的时候，在你的心里一定有一种演奏状态的提前量，你要在心里默默的想象你要演奏的声音是怎么样的，而且我们在演奏的时候对力道的把握更加显的重要，我们要有一种始终把弦挂住的感觉，感觉到你整只手臂的力量要完完全全的作用到了弦上，这样的掌控才可以把中提琴的声音给发挥到极致。

二、中提琴作品中指法和弓法的标注

我们都知道，中提琴比小提琴大许多，小提琴是35.5厘米，中提琴一般使用的是41-42厘米，如果使用38-39厘米的琴，因为共鸣箱大小的原因，势必会对音色和音量产生一定的影响。现在各大乐团的弦乐声部女演奏员越来越多，女演奏员大部分身高在1.6米左右，手的自然条件比男演奏员小，在演奏中提琴时就略显吃亏。很多女演奏员为了手指触弦的方便，都把左手拇指放在琴颈下方。在这种情况下，音准的保证就十分困难。部分演奏员使用换把来解决手指的不足，但频繁的换把又要影响速度和音准。如何能够更好的解决这个问题？除了平时多练习各种大小调三个八度的音阶和琶音来解决这个问题的基本要求外，在交响乐的演奏中，首席在标注指法和弓法的同时，应尽量多的考虑各演奏员的实际情况。不必要求和小提琴的完全统一。中提琴是弦乐器中弓子最长的乐器，在演奏一些灵巧和快速的技巧时也没有小提琴那么灵活。所以要根据自身乐器和演奏员的实际情况标注弓法。

三、对于中提琴作品的更多了解和接触

专供中提琴演奏的曲目历来十分有限，尤其是我国民族曲目更显匮乏，以至中提琴演奏节目在国内音乐会及其它传播媒体上也难得一见，这一状况限制了中提琴表演领域的开拓，结合职业乐团的演出性质，应该更多的训练各种交响音乐作品的片段，并巩固一些以前演奏过的作品，特别是一些困难片段。当然，基础训练也很重要，甚至包括空弦的发音练习。不光要练自己的独奏曲目，乐队片段也很重要，要想练好很不容易.除了把谱子练下来，最好有全曲的录音可以借鉴。此外多和指挥以及首席交流也是很必要的，

四、明确演奏方法

演奏方法历来是众说纷纭。我认为每个作品有它不同的风格特征，古典的、现代的。作曲家的个性特征和独特述求。在演奏上应了解作品本身的要求，结合作品确定演奏方法。交响乐作品困难片段无疑是一个好的练习范本。作为一个好的中提琴演奏员，要时刻知道他演奏的声部在整部作品中扮演什么角色？是什么样的音乐形象？且不可喧宾夺主。这对中提琴演奏者很重要。从最初的弓法到弓段，再到指法和把位的要求。以求达到声部的统一。最后达到演出状态的完美呈现。

五、重视程度

中提琴声部在乐团中往往受重视程度不够。但演奏员自己依然要具备职业演奏员的基本素质。在有演出任务的时候，声部首席应先对作品进行了解，并制定出初步的演奏弓法、指法，标明困难片段，要求大家提前训练。在排练中和指挥与乐队首席多多交流，结合中提琴自身的乐器特性，最终确定演奏方案。在没有演出任务时，坚持每天的基础训练，固定一定的时间进行声部的合练，形成良好的声部学习交流气氛，共同进步提高。

六、交流

大家都知道交响乐起源于古希腊，在欧洲有几百年的历史，而中國在老上海成立第一只交响乐团也不过一百多年历史。身处内陆的职业乐团，受经济、文化、政策、地域的影响，无论在各种渠道不可避免的会有些信息和交流的不畅通。如何让大家更多更快的了解世界音乐的发展和动态，特别是中提琴的演奏现状。则应该更多的请进一些国内外有影响、有实力的指挥家、独奏家来团指导交流，并和国内外优秀的乐团保持长期的互联互动。走出去，请进来。丰富大家对音乐发展的信息量，更好的完成自己的本职工作。

七、人员配置应该确定

大多数乐团在人员招聘时更加注重是小提琴声部、管乐声部、独奏乐器的演奏员，而中提琴声部往往被忽略。每次演出都需要临时借调人员。大家都知道，一个优秀的交响乐团不是靠短期的排练可以达到较高的水平的。演奏员的舞台状态，演奏的音乐风格。是靠有一个优秀的管理者和优秀的指挥长期训练而形成的。如果没有一个稳定的乐队编制和人员固定，没有长期的演出配合，专业水平参差不齐，难以形成独有的音乐气质。也难于演奏出优美的音乐，势必会造成演出状态的不统一，演出效果也大打折扣。

结论：

本人从事中提琴演奏三十五年，从峨影乐团、四川广播交响乐团到四川爱乐乐团。连续承担中提琴声部首席工作近二十年。以我多年的工作经验，对于中提琴在交响乐团中的实际问题和作用有较为直接的体会。我相信，只有不断的加强训练，真正喜爱上中提琴，并且把握和努力学习好演奏技巧才可以真正的演奏好中提琴，才能够让中提琴在音乐领域里获得提高和发展。既然我们要致力发展中国交响乐事业的话，那就必须借鉴国外上百年形成的职业交响乐团的标准和道德素养来运作，以职业交响乐团演奏员的职业标准来要求自己。才能积极发挥中提琴在乐队演奏中应有的作用。

作者简介：李林森（1963-09-），男，汉族，山东烟台人，四川爱乐乐团中提琴演奏员，国家二级演奏员，主要研究方向：小提琴、中提琴演奏。