探析色彩在美术作品中的运用

摘要：色彩作为美术作品的重要构成元素，对其进行科学合理的运用，可以让美术作品的审美及艺术价值得到有效提升，进而带给人们不同的视觉享受。此外，创作者通过美术作品所要传达的艺术内涵也需要借助色彩来表达，并视内容的不同，采用不同的颜色及用色方式、技巧等来完善作品。本文就对色彩的主要分类、功能及意义与具体运用进行探究，以此为他人提供参考。

关键词：美术作品 色彩 运用

色彩是美术创作过程中极为重要的构成要素，因此，只有对其进行科学合理的运用，才能够让美术作品更加具有审美及艺术价值，这样创作者想要通过作品表达的思想、情感以及文化内涵等能够得到充分展现，也能够让人们在视觉上得到更好的享受。

一、色彩的主要分类

在美术创作过程中，创作者只有对色彩的基本特性有足够的了解，才能使其得到合理运用，从而让美术作品实现形式与内容协调一致。与此同时，借助色彩对比可以让主体内容得到更好的烘托，从而使作品更加具有艺术表现力。通常而言，色彩主要有两种分类，一种是根据色彩的视觉效果分为彩色和中性色两类。而其中中性色主要是指黑、白、灰三種，在美术作品中将不同分类的黑白灰加入其中，在让纯度降低的同时提升明度，且还能让对比度有所下降，这样做不仅让色彩由强烈变得柔和，还能让不同的色彩意境实现有机融合。另外一种是根据人们对颜色的感觉将色彩分为冷、暖两种色调，例如与蓝、紫相近的色调为冷色调，而与红、橙、黄相近的则为暖色调。就色彩本质而言，并不分冷暖，其主要由人们对于不同色彩所产生的心理感受所决定。

二、色彩在美术作品中的功能及意义

在美术创作中，创作者只有科学合理地运用相关形式语言，才能够创作出更加优秀的美术作品。而色彩的运用不仅能够让画面看起来更加丰富饱满，而且还能让观者感受到创作者所要表达的思想感情，由此可见，色彩对于美术作品而言具有不容忽视的重要作用。

（一）色彩具有感知功能

作为一名优秀的创作者，熟练运用调色法是其应具备的最基本素质，他们可以将肉眼所见的各种色彩都调配出来。人是通过眼睛来感知外界事物美的，而人眼是依靠光来看见事物的。通常光又可以分为自然光与人造光两种，其中，自然光主要指的是星光、月光以及太阳光，它们的特点主要是波长较长，照射距离远等;而人造光主要有电灯、油灯及蜡烛等，其特点表现为波长较短，照射距离近。通过光的照射，人眼得以产生相应的视觉感应，进而可以看到各种物体的色彩。

（二）色彩具有心理功能

人通过色彩的变化来感知外界带来的影响。也就是说，人经由视觉来感知空间，之后再将这种感受传达给大脑，并经大脑思考分析，形成相应的知觉效应，进而引起心理上的变化，而后受其影响人的情绪也发生改变。色彩对于人的心理影响具有一定的复杂性，就算是同一种颜色，由于所处文化背景的不同，其在心理功能上也会有所不同，例如置身中国传统文化背景之下，红色有着喜气洋洋、热情如火等寓意，而绿色则让人联想到生机、好运等。因此，要想成为一名优秀的绘画者，就必须对色彩的心理功能有充分了解，只有如此才能将色彩运用得恰到好处，从而创作出更加优秀的绘画作品。

（三）色彩具有生理功能

创作者在创作美术作品时，不仅要考虑色彩的感知及心理功能，而且还要重视其生理功能。随着城市化进程的大力推进，人们与自然的距离更远了，随之而来的是对于纯天然色彩也提出了更高的审美需求。基于此，人为地对色彩进行加工创造就变得更为重要。那么，将加工后的和天然的两种色彩进行合理的搭配，不仅可以使美术作品的色彩更加丰富饱满，还能够在视觉和精神上带给人们更好的享受。

三、色彩在美术作品中的运用

（一）以墨掩色，以墨色为丹青

水墨画作为中国画的重要组成部分，令人印象深刻。然而一旦讲到色彩，往往人们首先想到的是色彩浓烈的油画，但对于中国古代的大部分文人墨客来说，水墨画深受他们的偏爱，将自身的墨宝传承下去是他们毕生的追求。墨色被认定为“五色”，对山水的情有独钟，使得他们在描绘不同季节山水时将其各种情态表现得惟妙惟肖，巧妙地运用色彩展现山水的“雅”，让人们在心灵上产生不同感受。水墨画虽然在中国古代绘画中有着不容忽视的地位，但中国画并非单指水墨画。而且对于色彩的运用，中国最早在石器时代出现的彩陶和古时的瓷器等都足以印证。汉代壁画呈现的墨、黄、青等色彩，以及马王堆出土的锦画等足以说明中国绘画对色彩运用是极为重视的，充分体现了当时的重彩风格。当进入到魏晋南北朝时期，文人元素逐渐地融入重彩风格当中，并与佛教美学相结合，形成以技法为重的绘画形式。通过分析研究可以看出，此种绘画形式在着色上对于技巧有较高的要求，也对色彩有更加强烈的表达意识，通常古代画家将其运用到宗教绘画中，以浓重的色彩带给人们强大的视觉冲击力，将宗教气息展露得恰到好处。创作者在创作美术作品的过程中，在色彩的运用上通常采用笔触、平涂的方法，而平涂一般来说是水墨画常用的方法，例如清代画家王原祁的《西岭云霞图》、石涛的《梅花图》等都极具代表性。而笔触主要是利用捕绘肌理的方式来展现物理效果，通过光线的照射，让作品画面看起来更加富有层次感，视觉上也更加具有辨识度。例如，法国印象派画家莫奈的《草地上的午餐》、中国著名油画家董希文的《哈萨克牧羊女》等作品都具有一定的代表性。与此同时，创作者还应注意的是在色彩的运用过程中，并不是对现实场景进行简单的复制，而是要将自身主观思想对色彩的感知展现出来，让人们在视觉上产生不一样的感受。通过色彩的堆叠及描绘，不仅可以让自身想要传达的意境及情绪得到更好的渲染，而且还可以向人们传递一种对生活的感悟，从而引起观者在情感上的共鸣，这样的美术作品才能获得更为广泛的认可。

（二）色彩表达的整体和谐统一

创作者在创作美术作品的过程中，不仅要注重色彩的表达，而且还要让其在表达上凸显整体的和谐统一，也就是说，让色彩与整个画面浑然天成，进而将创作者所要表达的思想情感更好地展现出来。虽然就色彩而言，其在表达形式上有很多种，但运用色彩的目的主要是为了将创作者的思想情感及所要展现的某种场景描绘出来，绝不能让主次不分的情况出现，必须清楚地认识到色彩是服务于绘画的。除此之外，创作者必须能够巧妙灵活地运用色彩，绝不能故步自封，如果按照固有的模式将色彩运用到美术作品中，不仅无法很好地表达创作者的思想和情感，而且也无法让观众真正领会作品的内涵。在展现色彩和谐性方面，印象派主要提倡的是动态色彩，也就是由室内向室外延伸，到大自然中寻找创作的灵感，感受视觉上带来的冲击，从而使美术作品更加具有灵动性。荷兰印象派画家梵高就在他的作品中运用了大块平整的颜色对比，他的代表作《夜间咖啡馆》等，与现代的装饰画有一定的相似之处。色彩在装饰画中的运用，并不仅仅是必须遵循的基本法则，而且还是一种较为常用的色彩表现手法。通过对梵高作品的深入研究可以看出，他的作品在色彩上都更加倾向于自然，根据画作的实际情况调配出所需色彩，并运用抽象、夸张等表现手法将自然界的色彩提取出来，将画面中的色彩进行合理的搭配，这样可以更好地将由色彩并置所产生的和谐与对比的最佳效果充分突显出来。

就中国传统绘画的发展历程来看，人们对于色彩的认知是通过长期积淀而得来的，再经由不断地日积月累积攒下非常丰富和宝贵的经验，并在相关的艺术理论内容及审美要素等方面完善，其在很大程度上影响着后世的绘画领域。但是有很多人未能深入了解和掌握中国传统绘画对色彩的运用，不仅没有将墨色归纳进色彩结构当中，而且还将水墨从色彩中单独分离出来，这样做是极为缺少科学性的。墨色是中国古代绘画当中一种较为常见的色彩元素，其在美术作品中起到了极为重要的作用，这是由于其自身具有一定的层次感，就比方说，轻描淡写、浓墨重彩这些词语都是用来形容墨色的延伸性的。因此，为了让色彩在美术作品中的运用价值得到更好的发挥，就必须从历史、文化及美学等多个层面来深入了解中国画的色彩语言，这样才能使色彩得到更好的运用，从而让美术作品更加具有艺术及审美价值。

四、結语

总而言之，色彩对美术作品而言，不仅具有极为重要的运用价值，而且还是创作者表达自身主观思想及内心情感的重要构成因素，如果色彩运用不恰当，则会在很大程度上影响美术作品的艺术及审美价值，从而带给观众不良的观赏体验。因此，为了确保色彩在美术作品中能够得到科学合理的运用，创作者就必须足够了解色彩的分类，并对色彩具有的感知、心理以及生理等功能特性有清楚的认知，只有这样才能使其得到更加巧妙灵活的运用，并让观众感受到创作者所要传达的思想、情感及文化内涵。另外，创作者要对“墨色”的运用予以高度重视，以墨掩色，以墨色为丹青，确保色彩表达在整体上的和谐统一，从而让美术作品的艺术魅力得以充分展现，进而获得观者广泛的认可。

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（作者简介：王大伟，男，本科，甘肃省通渭县美术馆，中级，研究方向：水墨人物画创作）

（责任编辑 刘冬杨）