当传统之韵遇上当代之美

钱雪娇

在成为一名专业手艺人之前，Hajime Nakatomi是早稻田大学的一名高材生。他在学习陶艺时，偶然碰到日本国宝级工艺大师ShonoShounsai，看到他把竹艺推到一种新的艺术高度的美感让他备受震撼，因而对竹艺产生极大的兴趣，改变了他的艺术生涯，转而专攻竹艺创作。Hajime Nakatomi的创作打破传统竹艺的限制，通过重新解构竹工艺来阐释自己的艺术灵感。从解构到统一，创作了许多带有他自己风格且艺术感极强的竹艺装置。他的作品中常出现几何图形，动态的图案与静态的竹编织载体形成鲜明的对比，为作品赋予现代性的外观。一开始的创作相对随机，现在他准备将作品风格转变成更加自律、带有结构性的风格。这些作品常常让人想到建筑、工业设计，而不是普通的生活用品。HajimeNakatomi对传统的竹工艺十分敬重，认为艺术创作的前提就是学习技艺，看似枯燥的工艺基础才是未来艺术作品的根，才能成为表达自己艺术思想的工具。同时，Hajime Nakatomi也致力于酒店及商业设施等公共空间的艺术创作，抽象大胆、前卫时尚，并与不同领域的创作者进行广泛的合作。正如他所言，从日用到艺术，需要如切如磋的细致雕琢;从艺术再到日常，需要由大到小的细致眼光。

当陶艺家Machiko Hashimoto想捕捉花朵绽放的有趣时刻时，便开始制作花卉作品。在她看来，鲜花象征着生命。她作品中的花朵不是表达郁金香等特定花朵的形象，而是想象中的花朵，甚至是水花溅起的样子。这些作品既有华丽的高贵感，也有转瞬即逝的遗憾感。与真正的花朵不同，它们的花瓣薄而精细，因为它们是由半瓷制成的，所以很容易折断。同时，雕刻表面以其华丽的形状吸引着大众。当然，Machiko Hashimoto也认为水和天空是生命的载体，是生命的维持者，是传递时间延续的载体。于是，她用蓝色作为生命和时间流逝的象征。在作品《季节：俯瞰》系列中，雕塑的造型捕捉到花朵正在绽放或散落的能量。这颗籽粒似乎正在释放这样的力量，以至于它开始向自己倒塌。Machiko Hashimoto用强烈的雕刻表达能量，同时用细刺表现短暂的美。她将作品原型放在聚苯乙烯泡沫塑料上，在外侧用多种工具进行雕刻。完成雕刻后，在短时间内将它们干燥晾干。并进行上色工作，随后放进窑中烧制。最后，呈现出一件件独一无二的陶艺作品。虽然作品是静止的，但Machiko Hashimoto希望旁观者能从自己的作品中感受到无尽的动感。

漆是一种几乎透明的材料，经过无数次的涂抹，从而使它们具有几乎永恒，甚至坚不可摧的品质。正是这种有机、神秘的漆之美，其隐藏在内部的精髓表现在那变幻莫测的外观中，使雕塑家Nobuyuki Tanaka深深着迷。他一直以“大漆”自然的艺术魅力为灵感来源，探索如何将大漆所具有的“质感”展现在作品中。从1980年开始，他将肌理粗糙的麻纤维材料与大漆结合，体现出大漆最朴素的质感。1990年以后，一改早期粗犷的麻布肌理，而转向细腻的处理，通过研磨，作品的表面犹如镜面般光亮，简洁的造型似乎在唤醒大漆深层的美感。Nobuyuki Tanaka的漆艺作品是一种对空间的崇高颂歌，通过运用漆的独特特质，创造出一种协调的共存关系，捕捉着表面与内部的互连性。他先把泡沫塑料刻成基本的形状，在表面包上薄层麻布，然后开始小心翼翼地给作品反复上漆、不断增加涂层。在每次涂之后，Nobuyuki Tanaka一定会用木炭石打磨表面，从而赋予表面如镜面一般的光泽，这种光泽不但可以反射光线，更能将周边的事物都“吸收”于其中。因此作品的外饰面极具感染力，能够吸引住观者的心。Nobuyuki Tanaka的作品偶尔带着具有威胁力的预示和压迫，然而在认知上又充满了诱惑，能够唤起人类某些原始的记忆。

纤维艺术家Shihoko Fukumoto对靛蓝美学有着宗教般的认知，一块白布被染成深蓝色或渐变蓝，与空间时间融合，以此唤起本能的自然感。Shihoko Fukumoto原本学习绘画，但是发现这并不合她的想法和创作方式。后来她转变艺术技巧，去创作悬挂于墙面的作品，并装置使用被靛青洗染的织物，再结合传统工艺和自身发明的技术，使织物达到令人吃惊的染色效果。她结合月亮、水及空间的关系，运用传统蓝染工艺在面料上染出渐变或撞色的效果，将平面视觉与空间、时间相融合，打造出静而悠远的意境，作品极富光感和空灵感，将大众引入到她作品的宇宙空间里。Shihoko Fukumoto重视考察民间艺术，不断寻找稀有的自然布。她的创作在题材内容和表现形式上都与自然情景相呼应，作品的宁静意境引人冥想，她还在其中构建出充满着禅意的精神维度。她利用宽阔的铺满小石头的水槽，把染料倒进去，仔细地看着靛蓝色慢慢地浸入布料，享受着这样一个自然的过程以及得到不同颜色调性的结果。同时，她也注重颜色比例分布，认为白色跟蓝色同样重要，如果白色的比例不正确，会失去一些平衡。如今，继承并发展蓝染也成为Shihoko Fukumoto的使命。

大马士革钢是一种坚硬的灰色金属，上面装饰着斑斑点点的银色水波纹，仿佛潺潺溪流和原始的微观世界。金属艺术家Kosuke Kato将这种古老的材料化为气势凌厉的媒介，以极简的优雅，实现当代艺术的抽象表达。他所创作的雕塑作品表面，是沉静的水波粼粼;雕塑本身，亦是一个永恒的往复循环，以锐利轮廓还原了大马士革钢的本真之美。这样的创作是一个非常复杂的过程，类似于武士刀的锻造。Kosuke Kato的毕生使命是改造和完善大马士革钢，这是一种失传已久的中世纪锻造技术，曾经主要用于制造剑刃，古老的工艺导致独特的表面斑驳，让人联想到锦缎中的漩涡图案。Kosuke Kato将7块不同的铁矿石和镍片堆在一起，在1000摄氏度的温度下将材料加热成一个整体，并反复进行金属的锤击、折叠，同时投入沙子，制造并凝固基坯。压缩坯体后，在金属内部嵌入图案，再打磨出金属光泽。然后，Kosuke Kato在表面涂上酸性液体，多层次的大马士革波纹便从金属内部逐渐浮现出来。最后，再将之用锤子敲打成独有的简约轮廓。

陶艺家Kazuhito Kawai的陶瓷作品以动态颜色和形状为特征，表现出丑陋、怪诞、密集和脆弱的各种样子。他的作品类似于华丽的不规则糖果，看起来很有趣，但它们包含了对流行文化、时尚和社会的隐蔽批评。陶瓷的多种可能性释放了Kazuhito Kawai心中的创造力，与其说他的作品是艺术花瓶，不如说是容器艺术——表面有着层层密密的“触角”，似乎是在滴水、渗出或融化状态下被冻结一般。Kazuhito Kawai通过书本、音乐、电影中的名字或台词为作品命名，某种意义上，也映射了他的内心感受。尤其是疫情期间，通过创作陶瓷，他从绝望中建造怪诞的城堡，用幻想给它们着色，并将其推进窑内，用火永远封存。Kazuhito Kawai利用传统陶瓷制作中不采用的工具，如针、茶叶过滤器和网状食品罩去赋予粘土纹理。将记忆和情感转移到有感觉的黏土上，Kazuhito Kawai感觉自己与精致的瓷质黏土如此息息相通，他可以轻而易举地将它们塑造成任何想要的形状。对他来说，艺术创作能夠帮助自己理清记忆和情绪，是他感知现实的一种方式。