这个世界不在场的一面

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《狭板》，2013，不锈钢。“红色，是我关注的颜色，也是中国文化中的重要代表色，尤其在北京故宫紫禁城太庙享殿艺术馆，作品如何与建筑对话，是一大挑战。”

1.《献给亲爱太阳的交响曲》，2013，不锈钢、蜡、传送带。

2.《我的紅色家乡》，2003，蜡、油性颜料、液压发动机、铁质模块。

1.《将成为奇特单细胞的截面体》，2015，PVC、铁。

2.《100个名字》，1979-1982，综合材料、色粉。

3.《利维坦》，2011，PVC。Monumenta 2011，巴黎大皇宫展览现场。（摄影：Dave Morgan）。

4.《虚空》，1989，玻璃钢、颜料。

5.《远行》，2017，颜料、挖土机。

6.《考古学与生物学》，2007综合材料。（摄影：Michel Zabe）

THE ARTIST

Anish Kapoor，印度裔英国艺术家，1954年出生于印度孟买，1970年代初到伦敦学习艺术，后在伦敦工作和生活。他的作品被视为是印度和西方精神的结合。1990年，Kapoor代表英国参加第44届威尼斯双年展，并荣膺“Premio Duemila新秀艺术家奖”，翌年获得“特纳奖”。anishkapoor.com

印度裔英国当代艺术家AnishKapoor的个展，在中央美术学院美术馆和太庙艺术馆展至2019年底。其中，央美美术馆着重呈现他装置作品的戏剧性与表演性，聚焦Kapoor的四大红色主题代表作;太庙艺术馆则集中展出了他的不锈钢与颜料雕塑，对话古老的东方建筑。在央美美术馆大厅，血红色的蜡质砖块从人们眼前被传送到高高翘起的轨道末端，轰然坠落，三条轨道尽头悬浮着一个巨大的红色“太阳”，“注视”着这个机械化场景。这是Kapoor曾在柏林马丁·格罗皮乌斯博物馆展出的作品《献给亲爱太阳的交响曲》（2013年）。如中央美术学院院长范迪安所言，他的作品“色彩大于形态且直击人心，形而上的艺术具有精神属性”。这种崛起向天空的视觉引导，让人想起古印度《奥义书》中“梵我合一”的哲学观念。关于作品具体意义的解释，Kapoor表示“艺术家总是拒绝意义的”，但“艺术实验室是具有哲学意义的”。“让作品自己产生，而不要意识先行”是他蜡质装置艺术的核心理念，其结果既是“意外的”又是“严肃的”。

作为雕塑，Kapoor作品最惊人的地方在于对“虚空”的连续探索。在美术馆三层的巨大黑盒子里，红色细胞结构般的内部管线错综复杂、内外勾连，一张关于躯体、存在与信仰的“网”。这是他法国凡尔赛宫个展首秀的创作《将成为奇特单细胞的截面体》（2015年），既是最小细胞的放大，又是最大世界的缩小。巨大的内外交合的“容器”意味着历史或子宫，吸引着人们思考文明和生命、过去和将来。

此外，Kapoor对材料的充分挖掘值得敬佩。他对蜡和不锈钢的研究实践长期而极致，只有通过这种“格物”意识才能发掘出材料在物质之外的哲学精神。他重新定义了不锈钢材料，从生命、生存场域和生活感知三个层面与人对话，从艺术、物质和主体三个维度重新引起人们的思考。太庙艺术馆的雕塑作品尤其能展现这种维度——《无物质（门）》（2008年）是向里凹陷的不锈钢立方体，但人们经过它时能感觉到一股强大的吸引力。“镜面不锈钢像画一样，可以定义一块新的世界。”Kapoor解释道，“这组不锈钢作品近看感觉很大，远看则很小，这种不确定的体量是非常诗意的。”

作为当代艺术的集大成者，Kapoor想要表达的是“不可触及、难以解读、值得为之失去生命的东西”。此外，建筑师朱锫认为Kapoor的成功体现在雕塑视觉与建筑空间的融合，此前鲜少有人达到如此境界，所以他在建筑界有着巨大的影响。“他的作品像海上漂浮着的冰山，我们看到的只是一小部分。”朱锫说道，“他有一件大地艺术作品是山谷里的一道深深的裂痕，我的精神被带入到那个无限的空间里。他拓展了建筑所谓的‘空间维度。”这种可穿越的空间，通过巨大的尺度颠覆普通人的经验，而得到这种惊奇体验和情绪的观者也是作品的一部分。正如Kapoor所钟爱的“黑暗山洞岩壁上模糊的影子一样”，他表现的是“这个世界不在场的一面”，迷失之域、暗物质或者黑洞，“真正的美总是与恐惧相伴”。