论紫砂陶刻山水的塑造技巧
——作品《山水茶罐》的创作感悟

马 兰

在中国的水墨山水画中存在着一种精神，这种精神贯穿了历史，从而获得了某种程度上的永恒。古人通过寄情山水，用水墨画的形式描绘和书法内心的种种感叹，将精神寄托于缥缈的自然之中，从而获得寄托和满足。这样的行为，久而久之就形成了一种艺术习惯，人们更愿意相信从笔墨中才能流露出一个人的真实情感，并从山水笔墨中获得一个人的精神印记，紫砂陶刻创作就继承了这一特点，用陶刻特有的语言在紫砂器上重现了水墨山水的意境，更衍生出了更加富有魅力的艺术表现形式。

茶是自然的馈赠，是生长于大地之上的美好精灵，而自古中国人就追求一种天人合一的境界，这其实是我们的文化所独有的对于这个世界的认识。在中国的传统文化中，整个世界被分为三个部分，上层是“天”，下层是“地”，中间是人，所以中国古代的皇帝总是宣称自己是上天之子，作为一个中国人来说，自身境界的提升就在于能否更接近“天”，人是渺小的，但天地间有比人宏大很多且更接近“天”的事物，那就是那万里的美好山川。水墨山水中传递出的旷达、博大，实际并不是在描绘山川本身，而是借着描绘山水来展现天地的宏大，在紫砂陶刻创作中引入“山水画”这一题材，同样并不是用高山大河来装饰小小的紫砂器，而是想要通过陶刻的方式，在小小的紫砂器当中构筑一个全新的天地。

作品《山水茶罐》在器身陶刻山水画，画面清雅素丽，散发着强烈的自然气息，从画面上看，整个茶罐上对山水的意蕴刻画、意蕴表达充分，景物塑造的前后大小的比例重神带韵，用刀简洁准确，尤其是对山峦的刻画，大大小小，层峦叠嶂，各种植物镶嵌其间。同时山与水之间的占比拿捏得相当精巧，在整个画面中，刻画山石的用刀显然要比刻画水流要多得多，但两者之间却不会产生明显的失衡，相反，正是由于两者间形成了一种巧妙的意蕴平衡，让整个画面处于一种自然和谐的状态之中，飞流的瀑布，繁茂的树丛，山下的草庐都给其中所营造的世界注入了无穷的韵味和生机。

在用陶刻的方式刻画山水的时候，有一点需要特别注意，那就是紫砂器并非是单纯的画布，它往往具有本身的颜色和质感，虽然同样可以运用中国传统绘画中的各种技巧，比如留空，但在实际刻画到某一局部的时候，倘若能够利用好紫砂载体本身的色彩，质感，那么刻画的主题就会相应的变得很深刻，很容易就可以达到事半功倍的效果。在作品《山水茶罐》上，由于茶罐本身的泥料砂砾感很强，表面带有粗砂质感的众多“闪点”，这对于山石的塑造其实是不利的，因为这会一定程度上破坏表现山岩的整体性，所以在这件作品上就增加了很多刻画阴影的拖刀部分，将太过显眼的“闪点”用刻刀将其去除。而在对水流的表现上，这些砂砾所产生的光线折射则又是有益的，因为这会让人联想到水面波光粼粼的动态，所以在用留空的方式表现水的过程中，尽量减少水中的刻画，让留空变得更纯粹，从而凸显出水本身的存在，这也是为什么同样是用刀法妙想，刻画“山”的部分要远远多于刻画“水”的成分，因为两者基于紫砂质感上的表现本来就是不对等的，重新平衡两者之间的下刀，将会让画面变得更自然，也更完整。

这样整体看来，整个山水陶刻就分为三个层次，最底层是以留空为主的“水”，这是所有山水画的基础，其次是占据画面绝大部分的“山”，这些是刻画的重点，是山水画的骨架，最后则是依附于山水的种种事物，这一层的刻画可以是人，可以是物，亦可以是其他一些什么，就相当于山水画的表皮，三者合二为一就构成了一个完整的世界。

总结：紫砂陶刻的画面表现力不同于绘画，它更像是绘画的延伸，但同时它又不像一般的雕刻那样，力求营造出立体的美感，紫砂陶刻的美依靠的是创作主题所构筑的世界是否成功，这就决定了创作者的综合素养需要达到一定的高度，因为单凭技艺的掌握是很难达到一定的高度，浅尝辄止之后必然无法刻画出意境更深、内容更丰富的作品。因此紫砂陶刻的塑造是一个长期的过程，需要不断地刻苦磨练，最终融会贯通，将创作者自身的情感、主题、文化综合性地表现出来。