隽永的诗意
——析孙志钧水墨写生作品的美学意涵

北京 韩朝

作 者：韩朝，首都师范大学美术学院副教授，画家，美术评论家。

早年的草原经历对孙志钧先生产生了深刻的影响。开阔、清旷、悠长——这种草原特有的性情在他身上体现得非常充分，他的画也有着同样的取向。同时，有别于土生土长的“纯草原”艺术家，他将性格中本有的含蓄蕴藉自然地融入画面，于是他的作品多了一层朦胧气息。生长在草原的朝阳与暮色里，这既是自然的存在，也契合了画家的心境，似乎用不着多少言语，意象少之又少，笔墨节省再节省，却能够传递出隽永的诗意。

从内蒙古草原回到北京，从内蒙古师大到中央美术学院，孙志钧的艺术视野更加开阔，但无论走到哪里，草原情结确是他一生的魂牵梦绕，除了在中央美术学院研习花鸟画之外，画家在草原题材上用功尤勤，以至于被贴上“画草原的艺术家”的标签。在一定阶段或终生画一种题材，古来常有。中国美术史中的画家分类也常以此为依据，比如山水画家、人物画家、花鸟画家，又比如鞍马画家、仕女画家等。其中缘由，是在一类题材上专注，由专而精，而成为特定的标识，以此寻求个人绘画的风格化，或者由专而博，一专多能，两种情形，皆有先例。进入现当代，画家们的眼力和脚力大为拓展，题材的选取则更加广泛和自由。还有一个值得注意的原因是，艺术家们在题材的变异中寻求形式的转化与新变。我们通常判断艺术家创造力的一个指标，也涉及题材的广度、形式的个性化、体现时代气息特征和艺术的影响力等方面。

孙志钧是一个有开放格局和广阔视野的艺术家，开放与广阔似乎与草原有关联，更与他的人文情怀和艺术理想密不可分。先不说他对首都师大美术学院的贡献，单是看1951年出生的他，在人物画、草原风情画、花鸟画之外，他又能将艺术触角伸向风景画、山水画，而且在诸多题材上都有自己的明确追求和鲜明风格，真是宝刀不老。

葆有艺术创作活力，一方面得益于上述原因，另一重要方面，则是孙志钧一直重视写生，写生筑就了他坚实的绘画功底，开放的思维又使其作品不断焕发出新意，他的写生不停留于客观描述，他深知有客观依据的绘画不易流于概念，也通晓艺术格调升华的秘密。在流派纷呈的当下，写生仍是一股潮流，并且在某种意义上依然占据主流，画家们在此找寻到宝藏，其实是让现实在场，无论从社会学角度还是从形态学角度观之，都具有不可替代性。尽管形式不断翻新，你方唱罢我方登场，但有一个核心是不变的，即人们内心深处那份对自然的钟情、对诗意的向往。诗意是艺术创作的永恒主题和核心力量，当有些形式因为不断复制渐渐失去其生命力时，另一种形式则会取代它，同时它将面临新事物的颠覆，这是艺术的通则与规律。但新形式之所以能存活并生长，它必须建立在相对恒定稳固的核心价值上，某种意义上，创新是做出符合新时代审美诉求的某种修正。

写生作为一种手段，有其对原有图示的修正意义和激活功能。但是写生人人可为，何以形成不同的样式和语言，则是有着“心”的干预，即古人所说的“外师造化，中得心源”。回首历史，20世纪20年代到40年代和五六十年代直至当下的写生热，从一个侧面说明画家对可借鉴图示资源因重复而匮乏的某种担心，也是画家一次次走进新的场域和状态，寻求突破的必然选择，然而很多画家并没有因此而能出新，看来写生绝非万能。写生的目的是写出生意，其中要津不单在对象，更在于艺术家的修养与方法。

孙志钧的乌克兰、拉脱维亚、俄罗斯之行的写生作品，有着中国画式的优雅和闲适，建筑稳定的结构感被转化为一种中国式的轻快。画家是理性的，我们亦窥视到内在性情的活跃，沉静而节制。与他以前的作品比较，在正统、雅正的基础上，似乎多了一种趣味，趣味增加了观者欣赏作品所要的“余味”。这批描绘当地风情与风景的水墨作品有这样的余味，画家在不激不励的情绪和状态中灌注了平实所具有的力量，平实而隽永。万物皆备于我，似乎日常资源皆可被用来转化到他的笔下。笔者认为，取法资源的丰富是一回事，而将其有机地纳入自我审美范畴并恰当表现出来，则是另一回事。

在这批作品中，画家在做一种减法，在形式意味上也更加着力，此种着力以一种轻松样态出现，建筑本身所具有的结构美，使画面获得了新意。其中有写生的丰富性，同时也摆脱了写生的某种局限，在取舍之间能够看出画家的修养，这是自然演进的结果，也是艺术家自觉于形式创造的必然。细心地看，他的工笔画影响还隐约在，舒缓从容，慢慢写来，写的平缓自在与淡的抒情气质融合为一。简化的过程是多数艺术家所遵循的定律，由简到繁，由复杂到简约——这条线路图，使得景愈少而境愈深。当然艺术家的艺术走向不单是年龄因素决定的，还有见识力和修养问题，其中内含了不断去掉多余，确立少而多的辩证关系。无论是过程还是结果，都是对艺术家文化感知力的考验，在短小精悍中一窥博大精深。

除了这一层变化，更重要的是寻求写生中现代语言的建构，寻求语言与图式的双重突破。这或许是旅行式写生的意外收获，但从另一角度看，孙志钧亦是有选择的，他不画那些传统的层峦叠嶂的山水，不画烟雨迷茫的风景，画的是一种日常。日常，既在选材上获得了宽阔的路径，同时日常所深含的诗意美感往往隽永而悠长。孙志钧一定感知到了日常诗意的恒久魅力，他把诗意美放在线与色、形与境的恰当关系中。

诗意一直是艺术家在意的因素。在某种程度上是艺术的核心所在，诗意的承载体尽管不一样，但都可以看到诗意对于艺术创造者和欣赏者两者间的沟通作用。很难想象，一张没有诗意的画，总是缺少深层的意义，诗意不仅仅是停留在常人心中的意境或通俗意义的美上，诗意让人的心灵能够有所感动，精神有所焕发。自文人画创立以来，中国画渐次关注绘画语言的独立价值，并着力于语言自身演绎和生成机制的确立，常常执心源与造化两端而求中和，在描绘对象和表达自我之间寻求张力与平衡。愈到后来，愈是能够进入语言的深层，自由诠释自我，放大语言本体。今天的观者似乎更乐见“艺术世界”，这个世界是与自然平行的另一个可以独立自足运行的世界，其核心是有意味的形式。艺术家都在寻求此种意味。孙志钧通过写生与心悟，打通了自然风景与艺术世界的通道，找到了诗意的所在，确切地说，是让人步入有诗意可寻的美好情境中。

从草原风情到现实所见，从工笔到兼工带写再到水墨，如同艺术家本身的生活状态，自然、平和、不事张扬，一步一个脚印。和孙先生的交谈中，我能领略他的情怀与睿智。他对艺术的看法，中肯而有前瞻性，再看他几十年来的创作历程，今天这些水墨写生画得如此妥帖自如则是情理中事。在其题材与形式的转化中，我们能够清晰地看到他的艺术谱系所具有的完整性、统一性以及所饱含的美学意涵。当下中国画创作技术至上，制作至上，人文意识和诗意色彩却越发稀薄。鉴于此，我建议不妨看看孙志钧先生的艺术。