浅谈如何认识书法之美

（北京师范大学,北京 100875）

五千多年前，在骨骸、金属、石头、竹简、纸帛上被记录下来的符号，是象征着文字出现的象形字。在经历了各个朝代的洗礼与演变，开阔雄劲，灵秀质朴，浑厚挺拔，完成了每个时代美学最集中的表现。[1]三国时期魏国书法家钟繇曾言：“笔迹者，界也；流美者，人也”。流，是手的运作，美，是心的思考。用上下笔意的流动，来表达作品的情感。而“流美”，便是对作品的要求，“手、心”，便是对人的要求。孙过庭有言：“以手双畅，智巧兼优。”[2]由此可见，书法之美贯穿于各个方面，各个时代，如何认识书法之美，是作为学书者最重要的审美能力。

一、线条美

从书法的线条来看，观察书法家在创作时的用笔、用墨，是极为重要的。书法线条之美也正是在于这笔、墨。笔墨使得中国书法成为一种精神形式。线条是书法作品中的基础、灵魂，没有了线条扎实劲道的质感，结构、章法都是空无一谈。线条是由单独的点画生成，毛笔在宣纸上的提按、起落的变化，形成了丰富多彩的点画形象，或长或短，或粗或细，或露锋或藏锋，或方或圆，或虚或实等等。这些因素也为书法家表情达意奠定基础。

可以说，笔墨之美是书法家情感思考与线条运动的和谐统一，书法家在线条中融入的情感而形成的独特的书法线条，才能汇聚成一个个字。线条的质感无疑是考验书者功力是否深厚的体现。然而线条并不是越奇特越好，更不能擅自滥造。而是要在遵守一定规则的基础上，再加之自己的体悟，才能使笔画的线条更为坚挺。

1.力量感

这里所说的力量感, 并不是物理中的蛮力，而是书法中的一种巧力, 是手指、手掌、手腕、手臂、甚至是整个身体，在有意识地用毛笔在纸上书写出的一道道印痕。中国书法一贯强调笔力, 卫夫人的《笔阵图》中有言:“下笔点画。波撇屈曲, 皆须尽一身之力而送之。”一般而言, 下笔时书写者所赋予毛笔的力道，便会使得线条的质感更加富有内涵。书法艺术作品之所以美, 是因为当欣赏者走进观赏时，能够在这样一个个线条中领略到生命的风采、心灵的律动。反之，如果笔力单薄无力, 书法之美就无法得到充分的体现。

2.节奏感

节奏感，也可以称之为韵律感。从书法作品的笔画线条当中，出了力量感，还可以发现一种活力，一种跃然于纸上的力量。从广义上来讲，节奏感包含多个方面，比如黑白对比，空白的大小之比，笔画的粗细、干湿、方圆等等。所谓“一阴一阳之谓道”，这便是节奏之本。书写者在书写线条的过程中，必然会造成线条的松紧、轻重、快慢, 这也是线条节奏的内容。节奏感也是相对而言的，有对比，才会表现出节奏。立体感、节奏感囊括了线条审美意识的内容。

二、结体美

“结体”是指字体的结构、线条组合在一起所展示的美感，书法中的汉字在形体结构上可分为上下结构、左右结构、上中下结构、左中右结构、半包围结构、全包围结构等等。而在这些结构当中，表现出的最重要的一个特点是对称美。

对称美是楷书、隶书、篆书形式美的主要表现形式。从广义上来讲，楷书的工整对称，字势端正，格局严谨，章法缜密；隶书的“蚕头燕尾”，一波三折，同样符合对称美，洒脱自然，方圆兼备；篆书则是曲直向背，均衡对称，多以圆笔为主。而在行、草书中，对称美进而转变成了参差美。行书化方为圆，变长为短，曲直变化不尽相同，通篇贯穿始终；草书上下字与字之间呼应牵连，气贯长虹，飘逸自得。

不难看出，中国书法依托于中国汉字，在保有中国汉字造字结构的基础上，蕴含着的是书者自身意识的流动。

在书法当中，并没有孤立的线条和结体，在结体中必然会有线条的体现，而线条又会组成结体。二者相辅相成，是一个有机的结合。因此，在研究线条美的同时，不应忽略情感的价值所在。它们是互相依存、互相联系的。书法中任何一个字的造型, 都离不开这两个基本要素。

三、章法美

“章法布局”是指整幅作品中，行气贯通、章法变化的美感，以及作品内容的选择和安排的合理得当、落款题款印章等等都恰到好处。这里的章法，指的是单独的字与字之间, 行与行之间, 列与列之间的结构问题。清代的刘熙载有言:“书之章法有大小, 小如一字及数字, 大如一行及数行,一幅及数幅, 皆须有相避相形, 相呼相应之妙。”

书法中的线条有虚实之分，那么在章法中，黑白的分布，亦是如此。书法讲求在变化中寻找和谐统一的章法。主要表现在：字与字之间产生错位, 如果在每一列字上画一条中垂线，那么字的重心可能会与中垂线重合, 也可能会偏左或偏右。这些错位和斜侧，是有意识的形成字里行间的不整齐, 不均衡, 不协调。但是书法家却能够及时用其他的书写技巧来进行弥补、纠正，于是作品的整体样貌在这样的变化当中，形成了一种动态的美感, 在矛盾中显现出统一性。

正如孙过庭所说：“初学分布，但求平正；既已平正，务追险绝，复归平正。”[2]书法艺术的创作在结体有一个重要的审美观念：整齐，有序，统一，而这也正是书法章法当中的审美标准。

四、势态美

汉代以后书论逐渐兴起，例如，《四体书势》《九势》《草书势》《篆书势》等等，毫无例外的，书者把重点都偏向了“势”。那么什么是“势”呢？简单来说，“势”，就是以静态的形象，蕴含无限动态的可能。如果将单个字字体本身平铺在纸面上，那么它则是静态的，但若是将它放在一幅作品当中，左右字、上下字之间的交相呼应，欹侧、正斜的变化，这些灵动感所带来的势态，却不是单个字所能表达出来的动态的感觉。如同头顶的墙壁裂开时，人们会担心它掉落下来砸到自己，情感中的担心、焦虑、喜悦、愤怒等等情愫，也会在作品中呈现出动态的视觉感受。除此之外，人的生理构造、运动、呼吸与自然万物皆会影响人对于作品的感受。人在走路时，会不自觉同时伸出左手和右脚，而不会同时伸出左手左脚，说明人在运动时也存在收放的规律。这种规律也时常会被投放到书法创作中去。

五、情感美

情感美，是不基于作品外在形状的一种形态。美是一种形象，一种听觉或是视觉的形象。作品会在人的头脑中形成一幅画，人要去感知它。例如，人在看到一个苹果时会说：“苹果是红色的。”这是人最直观的视觉的体验，人们普遍看到的苹果都是红色。欣赏者对作品的需求，是知觉和感觉对客观事物的认知。而从情感投入方面来看，“苹果真甜”也是人对于客观事物的客观反映，当这种情感投入到客体中去，便会使得客体也具有了生命力。这种移情是推己及人、由人及己、设身处地地。人和物之间存在沟通，也可以沟通。不仅是作为客体将思想推及物体，更是物对人的反作用，回返往复的状态，由我及他，由他及我，物与我同一之境。

例如，从唐代书法家颜真卿的“颜体”来看，这是一种独特的审美体验。欧阳询如此评价颜真卿：“忠臣烈士，道德君子。”而南唐后主李煜却不以为意：“叉手，并脚，田舍汉。”由此可以看出，两人对同一事物所表现出的截然相反的评价，则是在认知层面给欣赏者不同的形象，而情感则是欣赏者对作品的态度。汉字在摆脱了象形文字的书写方式的束缚之后，从东汉末年到魏晋时期兴起了书写自觉。书法晋升为了一种视觉符号，通过眼睛来观察，从而形成一种印象和审美感受，而并非一个刻板呆滞的面貌。而颜体之所以看着庄严雄浑，是因为其所表现出的端庄美、阳刚美，数美并举于一身。宋代以后，人的道德意识增强，情感接受对于人们来说实则存在一个最适宜的区间度。当人与人个体在审美差异平台中的距离较远时，欣赏者可能对创作者的作品存有有一些批评与不满；而当个体之间书写的风格字势又太过雷同时，欣赏者又会熟视无睹，毫无波澜。因此，情感的舒适度必须要定在一个适宜的区间内，才能体会到书者的情感流露。

六、结语

书法之美，是以自我所见所闻来观照客体，谈出自我的感受，欣赏者看到的作品形象，这种形象与自我体验相结合，以人的情感为基础。然而美的形象有千差万别，人的标准也有差异，但共同的标准将会使这种差异缩小到一定范围。书法创作者则需要结合大多数经典书家，概况他们美的规律是什么，总结出美的标准是什么。任何美都是一个完美的个体，而在这些个体当中，又存在相似的标准，这也是美的平均，美的规律。

个体在探索过程中适应审美的标准，在书法的探索中，有些人走上了歧途，有些人则受时代环境的影响，表现出时代特色，正如“晋人尚韵，唐人尚法，宋人尚意”。对于文字本身，不仅仅是一个冰冷的字眼，某一个笔画长一点，某一个笔画粗一点，都会和客体事物不契合，也就因而会感受不到美感。书法作品中，只有了解美的规律，才能塑造美的形象，通过在客观世界中的所见所闻所感所想所悟所思，总结出文字规律，并在作品中落实。魏晋人认识到美，书家开始对美进行探索、实践，当整个过程被铺展开来，美的形象、法则、规律、认识便开始被重新塑造出来。

当人在认识到书法之美的规律后，会有一个历史使命去思索，人应该保持什么样的精神状态，什么样的知识素养、文化素养、艺术素养，才能将书法之美发挥到极致？纵观整个历史时代，精神面貌都是由历史使命决定的，一个时代应该有这个时代的历史使命，初学者因为对书法的认识不够立体、深厚，便一味地去“集古字”，然而每一个字在不同环境当中，自身体势、结构都是不一样的，一个字在这个位置是这个形态，到另外一个位置，则又换了一种形态，因此要掌握美的规律，并不是单一地去背临每个字的字形。抛去了汉字表象的文字形态，探究隐藏在面貌之后的内在气息、内在支撑，内在美的体现。

总而言之，中国书法艺术的审美，并不只是单一的追寻意境和风格，书法艺术作为中华民族的传统文化，体现着的是中华民族的传统艺术形式，本文从书法艺术的线条美、结体美、章法美、势态美、情感美五个方面，剖析了中国书法艺术的审美特征。书法艺术则正是通过这些多方面的巧妙结合，以传统书法为基石，不断开拓创新，融汇合一，才创造出了这样一种和谐之美、韵律之美，创造出了一种全新的书法风貌。